Via XX settembre, 51 - Dozza (Bo)

Direzione Artistica: COMPAGNIA TEATRALE DELLA LUNA CRESCENTE
Per informazioni e prenotazioni: Tel. 347 5548522 - 339 2294412
Fax: 0542 684825 - Email: lunacrescente@tin.it Internet: www.comune.dozza.bo.it

Teatro Comunale di Dozza - Programma 2008

La stagione del Teatro Comunale di Dozza è un atto di orgoglio. Fuori, per questioni di numeri e per quanto riguarda in particolare il teatro, dalla possibilità di ospitare grandi produzioni e grandi nomi, la gestione del Teatro, in accordo con il Comune di Dozza, punta a preservare la possibilità di presentare produzioni ed artisti accomunati dalla originalità e dalla serietà della loro ricerca (teatrale e musicale). Questa è la prima caratteristica della stagione di Dozza, l’elemento che unifica le proposte culturali a cui si può assistere o, anche, a cui si può partecipare. In forma di spettacolo o di laboratorio si tratta, comunque, di appuntamenti originali, a volte sorprendenti, come sorprendente e originale è il luogo, il teatro stesso, ed anche il borgo di Dozza, nel cuore del quale il teatro è stato inventato. Certamente la ricerca di particolari proposte, originali ricerche espressive, sguardi inconsueti sul mondo, è una ricerca faticosa. Ma là dove c’è fatica in ambito culturale (e non solo) c’è, di solito, lavoro. E se il lavoro risulta molto faticoso significa che in qualche modo ci si colloca non in mezzo alla corrente ma là dove l’acqua scorre scontrandosi con altri elementi, costretta a farsi strada, perché in quegli anfratti, in quelle insenature, non possiede la forza di travolgere, trascinare, imporre il proprio corso. A volte la fatica segna una sorta di viaggio addirittura contro la corrente. Non è un caso che nel progetto tematico dell’autunno, dedicato al tema dell’identità, ci si voglia chiedere “chi siamo?”. Forse occorrerebbe tutti interrogarci, trovare tutti un’insenatura in cui sostare o, semplicemente, non arrendersi troppo facilmente alla corrente. Specialmente quando comunque si registra la fatica. Forse non la fatica che registriamo noi, quella dello sforzo di continuare ad indicare la luna, ma la delusione e il rammarico di chi prima o poi si renderà conto di aver continuato a guardare il braccio che indica, e di avere intanto, e forse per sempre, perso la luna.
Desideriamo ringraziare, ancora una volta, tutti i compagni di strada, i collaboratori, gli artisti che, con la loro disponibilità, hanno deciso di condividere con noi il viaggio, apprezzando gli sforzi e la determinazione con cui si sostiene l’idea di costruire la stagione di un teatro comunale come un piccolo grande progetto culturale.
Marina Mazzolani e Corrado Gambi
Compagnia Teatrale della Luna Crescente
DOZZA EVENTI è il progetto principale dell’attività complessiva del Teatro Comunale di Dozza, suddiviso in tre diverse iniziative, delle quali due in primavera, la rassegna di teatro “PERSONAE - Percorsi Teatrali” e il Festival Jazz “DOZZAJ” (all’interno della rassegna regionale Crossroads”), ed una in autunno, il progetto tematico interdisciplinare.
La programmazione annuale curata dal Teatro Comunale e dalla Compagnia Teatrale della Luna Crescente è però arricchita, per il terzo anno consecutivo, da altre due sezioni: “ENODOZZAJAZZ - Sorsi di jazz in Enoteca” e “TRACKS - Tracce d’autore”, che presentano, la prima, appuntamenti con musicisti di calibro internazionale in proposte generalmente “in solo” nell’ambito del jazz (negli spazi dell’Enoteca Regionale, all’interno della Rocca di Dozza), e, la seconda, del rock-blues (un concerto al Teatro Comunale e, dopo lo strepitoso successo dell’anno scorso, nella Piazza della Rocca, in estate, in date ancora da definire). È in corso di progettazione un’ulteriore sezione teatrale/musicale all’aperto, in estate, per le strade del Borgo.
Progetto d’arte, informazione, cultura dedicato al tema dell’IDENTITÀ.
Per il sesto anno consecutivo in autunno viene proposto un programma di iniziative legate ad un tema, in collaborazione con vari soggetti: approfondimenti specifici che possono ricorrere al teatro, alla musica, alla letteratura, al cinema o essere costruiti in forma di conferenze e/o dibattiti. La forma preferita per le singole iniziative è la “contaminazione” fra i vari linguaggi. Si tratta, quindi, di appuntamenti culturali diversificati, scaturiti da varie ispirazioni, con approfondimenti di taglio storico-sociale, associati a presentazioni di brani letterari, a film, e ad iniziative di spettacolo. Il progetto tematico del 2008 avrà come tema “l’identità”.
Il Teatro Comunale di Dozza ospita, inoltre, una mostra permanente di fotografie in bianco e nero di Mario Sabbatani, dell’Associazione P.I.M. - Poesia Immagine Musica, persona di rara sensibilità umana ed artistica e prezioso collaboratore delle attività del Teatro e della Compagnia. La mostra è costituita da una selezione di scatti realizzati durante la programmazione del teatro, costantemente aggiornata dopo ogni stagione teatrale.
 

Sabato 9 Febbraio 2008                                                                   
ore 21 - Teatro Comunale di Dozza
TRACKS - Tracce d’autore
THE BLUESMEN in concert
“WILD IN THE COUNTRY”

La passione per il blues comincia per Roberto Formignani (chitarra, voce) e Antonio D’Adamo (armonica) nel 1981 quando fondano “The Mannish Blues Band”, con la quale ottengono riconoscimenti a livello nazionale (Quelli Della Notte, Pistoia Blues, Milano Blues festival, Aventino Blues, Imola Blues, Ravenna Blues, ecc).
Il progetto The Bluesmen nasce nel ’93 con l’apporto fondamentale di una nuova base ritmica composta da Bruno Corticelli (basso) e Daniele Barbieri (batteria), che stimola il quartetto a rivisitare in maniera personale i classici del blues in veste acustica; il primo lavoro della band si concretizza nel 1996, producendo con l’etichetta Musicando il CD di blues-swing acustico “Intrepido Blues”. Nel 2002 il gruppo si presenta con un sound rinnovato ed energico grazie al drumming di Roberto Morsiani, e attingendo dalla ventennale esperienza nell’ambito della musica blues, propone un nuovo lavoro prodotto dal Comune di Ferrara – Assessorato alle Politiche e Istituzioni Culturali, dal nome “The Bluesmen”, che contiene undici brani di cui nove originali e spazia dal blues-rock, allo swing, al delta blues. Nel 2005 La prematura scomparsa di Antonio D’Adamo, porta la band ad una ulteriore scelta stilistica con l’inserimento di Massimo Mantovani al piano ; con questa formazione inizia anche la collaborazione con Dirk Hamilton, con il gruppo DIRK HAMILTON AND THE BLUESMEN. Nella primavera del 2006 esce il CD-DVD live per la Akarma – Comet Record, dal titolo “Dirk Hamilton and The Bluesmen - Sometimes Ya’ Leave The Blues Out On The Road”.
www.thebluesmen.it . Partecipazioni a Festival recenti: Delta Blues Rovigo 2001, Liri Blues Winter 2004, Lerici Blues Joint 2004, Aspro Blues 2004 , In Blues 2004 Castel San Pietro Terme, Ravenna Blues 2004, Aosta Blues 2005, Delta Blues 2005, In Blues 2006 Castel San Pietro Terme, Castel Franco Emilia Blues 2006, Pistoia Blues 2006, Parma Blues 2007, Piacenza Blues 2007 Torrita Blues 07. Recenti open act: Nine Below Zero ( 2002-2003), Iram Bullock, Scott Henderson, Willy Murphy, Dave Alvin, Jorma Kaukonen, ,Paul Geremia, Billy Boy Arnold, Kelly Joe Phelps, Robben Ford, Taj Mahal, Roy Rogers, Susan Tedeschi, Eugenio Finardi , Iron Butterfly, Bob Dylan.  Collaborazioni:
Willy Murphy, Alan King, Andy J Forest, Dirk Hamilton.

“Wild in the country” è il quarto album per la blues band ferrarese e conferma la maturità e l’eclettismo musicale di un gruppo sulle scene dal lontano 1993. Il disco contiene 11 brani che spaziano dalla ballata acustica (“Red skin”), alle atmosfere jazz (“Rainy night blues”), dal rock’n’roll (“Walk all night”), al blues elettrico (il singolo “Why not me”), con la presenza di due sole cover (“Every day I have the blues” e il traditional “C.C. Rider”) e 9 canzoni originali, composte da Roberto Formignani chitarrista e voce con l’aiuto in un caso di Massimo Mantovani, pianista e, nell’altro, di Dirk Hamilton. Il noto cantautore californiano che ha scelto The Bluesmen come propria band italiana, è l’ospite principale del Cd, prestando la sua splendida voce a “Come with me”, l’ultima traccia del disco. “Wild in the country” è prodotto da The Bluesmen e Alberto Ronchi e si avvale del lavoro fotografico di Luca Gavagna (Le Immagini Multimedia – Ferrara). Alle prime 1000 copie del Cd è abbinato un 45 giri in vinile con il brano inedito (“So free – rememberin’you”) dedicato ad Antonio D’Adamo (Dada), indimenticato armonicista della band, scomparso nel 2005.

PER TUTTI I CONCERTI SARANNO DISPONIBILI 100 CD E 100 45 GIRI IN VINILE CHE VERRANNO DATI IN OMAGGIO CONTESTUALMENTE ALL’ACQUISTO DEL BIGLIETTO DI INGRESSO.

Roberto Formignani (chitarra, voce)
Già noto come leader della "Mannish Blues Band", ebbe il suo debutto con Renzo Arbore nella celebre trasmissione televisiva "Quelli della notte"; vanta collaborazioni con bluesmen famosi come Andy j. Forest, Willie Murphy (già chitarrista di Van Morrison ), Jerry Dugger, Alan King; ha inoltre suonato in jam session con Hiram Bullock (Sting, Miles Davis) ed ha partecipato ad importanti festivals in tutta italia (Roots Festival , Pistoia Blues nel 1985 come spalla a B.B.King, Milano blues Festival con The Blues Band, Aventino Blues, ecc..). E' stato dimostratore della ditta National (chitarre resofoniche); insegna dal 1987 Chitarra Blues presso la Scuola di Musica Moderna-Associazione Musicisti di Ferrara, di cui è il presidente dall’anno 2000.

Buno Corticelli (basso)
Bassista proveniente da una lunga esperienza di session-man, svolta anche con artisti prestigiosi come Vasco Rossi, Paolo Conte, Claudio Lolli, Roberto "Freak" Antoni . Ha inoltre collaborato con Andy J.Forest e Willie Murphy, una lunga collaborazione con
Giorgio Cavalli (Mr. Blue). Ha inserito un proprio brano nel CD compilation "Germinazione Spontanea" edito dall’Associazione Musicisti di Ferrara. Ha partecipato alla realizzazione dell'album "Authorized Bootleg" del gruppo The Fax , e al CD "Intrepido Blues" dei Bluesmen . "Open Act" di Maceo Parker, Hiram Bullock e Scott Handerson. Dal 1986 è insegnante presso la Scuola di Musica Moderna di Ferrara.

Massimo Mantovani ( piano )
si è diplomato in violino al Conservatorio "Dall'Abaco" di Verona. Contemporaneamente ha coltivato lo studio del pianoforte, dell'arrangiamento e della composizione. Svolge da anni attività come pianista, violinista e compositore nel campo del Jazz e della musica leggera e ha collaborato con artisti di livello nazionale e internazionale tra i quali Donovan Mixon, Pedro Mena Peraza, Javier Girotto, Hengel Gualdi, Jimmy Villotti, Tom Kirkpatrick, Marco Tamburini, Equipe 84, Dirk Hamilton e Nair, contribuendo alla realizzazione di diversi CD tra i quali: "Lettere dal fronte interno" (su testi di Stefano Tassinari) con Mauro Pagani e Roberto Manuzzi, “Sunrise” con Nair, “Grupo Candòmbe” e “Grupo Candòmbe 2” con Silvio Zalambani e Grupo Candòmbe. Con quest’ultima formazione ha anche partecipato al “Festival del Caribe” tenutosi a Santiago di Cuba nel Luglio 2003 (unico gruppo europeo invitato). Insegnante di Violino in ruolo nelle Scuole Medie ad indirizzo musicale, svolge da anni attività didattica anche come insegnante di pianoforte e arrangiamento presso la Scuola di Musica Moderna di Ferrara.

Roberto Morsiani ( batteria )
Proveniente da famiglia di musicisti, inizia i primi studi all'età di 8 anni con l'aiuto dello zio Gabriele Morsiani, noto batterista degli anni '70. Collabora con vari artisti: Louisiana Red, Andy J Forest, Lisa Young, Ricky Gianco, Giorgio Cavalli, Paoul Martinez (noto bassista inglese), nonchè cover bands di grande richiamo quali Fandango, Havock, Jack Daniel Lovers fino all'anno 1989 anno dell'inizio del rapporto musicale con gli Skiantos. L'amore per il genere rock blues fin da bambino rende il suo modo di suonare molto potente e trascinante fino a rendersi noto col soprannome di "GRANITO". Continua tuttora la collaborazione con gli SKIANTOS e la sua attività di session man.


Sabato 16 Febbraio 2008                                                               
ore 21 - Teatro Comunale di Dozza
PERSONAE - Percorsi Teatrali
Barbara Casini - Monica Demuru
LA POESIA IN MUSICA DI CHICO BUARQUE DE HOLLANDA
Barbara Casini - canto, chitarra
Monica Demuru - voce recitante, canto

Spettacolo a metà fra il teatrale e il musicale, presenta una scelta di brani dei quali Chico Buarque è autore sia della musica che dei testi, e si propone di far conoscere al pubblico la bellezza, l’intensità e la profondità della poesia di questo incredibile personaggio, da noi ancora non adeguatamente apprezzato (malgrado il suo successo) in tutti gli aspetti della sua opera. Lo spettacolo è idealmente diviso a metà: la prima parte affronta tematiche sociali (l’alienazione nel lavoro, la dittatura militare, l’infanzia abbandonata, il rapporto genitori figli...) e la seconda è dedicata alle canzoni d’amore. In entrambi i casi Chico Buarque dimostra una profonda conoscenza dell’animo umano, una straordinaria capacità di immedesimarsi empaticamente nelle situazioni emotive più diverse, anche le più estreme, e di tradurre tutto in un linguaggio poetico e musicale, riuscendo come pochi al mondo a sposare magistralmente musica e testo. Le canzoni, interpretate da Barbara Casini alla voce e alla chitarra, si intrecciano con la lettura dei testi tradotti in italiano ad opera di Monica Demuru, che si dimostra anche splendida cantante in alcuni struggenti duetti con Barbara.

Barbara Casini - Nata a Firenze nel 1954, laureata in Psicologia, una vita dedicata alla musica, in particolare al canto, innamorata fin da ragazzina del Brasile che è diventato la sua seconda patria musicale, Barbara Casini è stata più volte definita la più importante interprete di musica brasiliana in Italia. Iniziata all’età di quindici anni, con la scoperta della bossa nova, di Jobim e João Gilberto, la sua conoscenza della musica popolare brasiliana si è sempre più approfondita, fino alla formazione, all’inizio degli anni ’80, del trio Outro Lado (insieme a Beppe Fornaroli alla chitarra e Naco alle percussioni), con il quale si è esibita oltre che nei teatri e nei club italiani, a Parigi, nel Nord Europa, in Africa e in Brasile, partecipando a jazz festival e rassegne etno-musicali. Con questa formazione ha inciso un Lp, “Outro Lado”in seguito ristampato in cd per la Philology. Nel 1994 forma un quartetto con Stefano Bollani al pianoforte, Raffaello Pareti al contrabbasso e Francesco Petreni alla batteria. Ha collaborato in ambito jazzistico con importanti musicisti tra i quali si ricordano: Enrico Rava con cui ha inciso il disco “VENTO” per l’etichetta francese Label Bleu, con Stefano Bollani al pianoforte, Giovanni Tommaso al contrabbasso, Roberto Gatto alla batteria, e con l’accompagnamento dell’Accademia Filarmonica della Scala diretta da Paolo Silvestri, autore degli arrangiamenti (partecipando a Umbria Jazz 2000 ); Phil Woods con cui ha inciso il cd “Você e Eu” (Philology, 2001) una reinterpretazione di classici brasiliani insieme a Stefano Bollani; Lee Konitz con cui ha inciso “Outra Vez” (Philology, 2002) insieme al chitarrista Sandro Gibellini che è entrato stabilmente a far parte del quartetto al posto di Bollani. Nel 1997 è uscito il CD “Todo o Amor” ( Philology ), il primo lavoro completamente a suo nome, che le ha dato modo di proporsi, oltre che come interprete, anche come autrice di musiche e testi, e che ha ottenuto ottime critiche sia in Italia che all’estero. E’ del novembre 1998 l’uscita (ancora per la Philology) del CD “Stasera Beatles”, nel quale il quartetto offre una rivisitazione in chiave jazz e latina di 13 brani dei Beatles. In seguito sono usciti i CD “Sozinha” (Philology, 2000) registrato dal vivo al DR JAZZ di Pisa nel quale Barbara si esibisce da sola alla voce e alla chitarra, “Uma Voz Para Caetano” (Philology 2003), un tributo a Caetano Veloso e “Anos Dourados” (Philology, 2003) interamente dedicato alla musica di Tom Jobim. Ha inoltre collaborato alle incisioni di Luigi Bonafede (“Another Side of Me”, 1991), Attilio Zanchi (“Some Other Place”, 1992), Massimo Colombo (“Linea di Confine”, 1993), Naco (“Naco”, 1995) ed Enrico Rava (“Italian Ballads, 1996). URAGANO ELIS, un omaggio a Elis Regina realizzato con il suo gruppo storico integrato da pianoforte, tre fiati e percussioni, con gli arrangiamenti di Paolo Silvestri, è uscito a ottobre 2004 per la Via Veneto Jazz. E’ stata recentemente in Brasile per un giro di concerti (Rio e S Paulo), in occasione dell’uscita per la Guanabara Records del cd LUIZA, e per promuovere l’ITALIAN BOSSA JAZZ FESTIVAL che si terrà nelle principali capitali brasiliane (S Paulo, Rio, ecc) e che la vedrà fra gli artisti invitati insieme ad altri grandi nomi del jazz italiano. Infine gli ultimi lavori discografici: ANGOLI CONFUSI (Double Strokes Records, 2006) insieme a Pietro Tonolo e Alessandro Galati, brani originali “a tre mani” di cui Barbara è autrice anche di tutti i testi (in italiano), progetto che è in procinto di diventare un evento semi-teatrale con la partecipazione del fisico nucleare Paolo Giusti e che vuole unire lo sguardo introspettivo e relazionale all’indagine dei misteri ultimi della natura PALAVRA PRIMA (Philology, 2006) con Beppe Fornaroli e Sandro Gibellini, un omaggio al grande autore e compositore Chico Buarque de Hollanda NORDESTINA (Philology 2007) una rivisitazione del forró brasiliano, con un organico completamente rinnovato tra cui spicca la fisarmonica di Fausto Beccalossi e il violino di Ruben Chaviano, straordinario musicista di Santa Clara, Cuba, da anni ormai trapiantato in Italia.

Monica Demuru - Si è diplomata in recitazione alla scuola Laboratorio Nove di Firenze nel 1993. Nel 1994 ha ottenuto la qualifica di Attore di Scena (corso di formazione professionale, Atelier della Costa Ovest) sotto la direzione di Mischa Van Hoeke. Ha proseguito la sua formazione artistica con particolare attenzione alla vocalità e al movimento seguendo, tra gli altri, l’insegnamento di Bruno De Franceschi con cui entra a far parte del Tacite-voci-ensemble, da lui diretto, per un percorso di ricerca vocale dal 1996 al 1999, di Tran-Quang-Hay sul canto armonico e difonico, di Franco di Francescantonio, Raffaella Giordano, Adriana Borriello e Anton Adassinskij per uno studio integrativo delle varie tecniche teatrali. Più di recente inizia un percorso di formazione sistematico del linguaggio musicale e di tecnica del canto antico seguita da Lavinia Bertotti. Importanti, tra gli altri, gli incontri coi registi Barbara Nativi, - con la cui compagnia lavora in molti spettacoli dal 1994 al 1999 - Angelo Savelli, Alfonso Santagata e Edoardo Donatini. Affianca quindi all’attività di attrice teatrale quella di vocalist e autrice in progetti teatrali, musicali e video. Nel 2000 incontra la Societas Raffaello Sanzio con cui si impegna per “Voyage au bout de la nuit“, “Buchettino“ (recitato in versione italiana, francese, inglese, tedesca, spagnola e prossimamente portoghese) e “Tragedia endogonidia“, in tounèe, attualmente, in Italia e all’estero. Prende parte al concerto “Cryonic Chants”, nato dalla collaborazione tra Societas Raffaello Sanzio e il musicista Scott Gibbons. Prosegue le collaborazioni, come cantante e/o autrice, ai progetti e alle incisioni del collettivo Timet (Lorenzo Brusci), di Paolo Bragaglia (“Mensura“ e “Bracode“) e Stefano Bollani (“Ranuccio“, “Abbassa la tua radio“, “Titanic“, “Fanfole“ e, in collaborazione con David Riondino, “Cantata dei pastori immobili“ e “Nuvole” per I Suoni delle Dolomiti). Con la direzione di David Riondino è ospite, insieme a Chiara Riondino e Francesca Breschi, della cantata in versi “Pia De’ Tolomei”. E’ saltuariamente ospite, come vocalist, dell’ensemble Alquìmia (diretto dal compositore Govanni Guaccero attivo nell’ambito di Nuova Consonanza) e del trio composto da Peppe Servillo, Javier Girotto e Natalio Mangalavite (“l’amico di Cordoba“) coi quali ha partecipato, tra gli altri, ai concerti della Grande Orchestra Avion Travel. Continua le collaborazioni con Barbara Casini (“Omaggio a Chico Buarque De Hollanda”) e Ares Tavolazzi (“Ranuccio”). E’ curatrice, autrice e interprete dello spettacolo AE DI (Odissea pop) in scena con Ferruccio Spinetti e Petra Magoni e, insieme alla pianista Silvia Alunni, del progetto musicale dedicato a Sergej Prokofiev “...FIEV”. Ha lavorato e/o inciso inoltre con Enrico Rava, Ares Tavolazzi, Antonello Salis, Elliot Sharp, Zeena Parkins, Ikue Mori, Steve Piccolo, Elena Bucci, Cristina Pezzoli, Massimo Luconi, Massimo Altomare, Mirio Cosottini, Mirko Guerrini, Marco Parente, Enrico Fink, Moni Ovadia, Hector Zazou, Alessandra Del Maro, Paolo Benvegnù, Nicoletta Magalotti, Scott Gibbons, Simona Bencini, Banda Osiris e Cristina Zavalloni. In video è stata diretta da Bruno Spinazzola (“L’ unghia “, 1996) e da Paolo Doppieri (“Dopplereffect”, 2003).

1996: “ Musiche per il Laboratorio Nove “, mus. di Marco Baraldi, Macinarino Records
1996: “ Cicli di sintesi . ‘ 92-’ 94 “ TIMET, Per Box 2000: “ Carne Capitata “, Composizione di canzoni sulle poesie di Giancarlo Majorino, TIMET, Matrix_ i dischi forma.
2000: “ Abbassa la tua radio “, omaggio alla musica italiana degli anni ‘ 30/ ‘ 40, da un’ idea di S. Bollani, Ermitage.
1997: “ Quadri di schermo vivo “, TIMET, Per Box
1997: “ Colazione con la pietra “, TIMET, Per Box 2002: “ L’ ultimo animale. Sullo Zarathustra. “ prima parte. TIMET, Matrix_ i dischi forma.
1998: “ La Mutazione “, Tacite-voci-ensemble, mus. di Bruno de Franceschi 2003: “ Mensura “, mus. di Paolo F. Bragaglia, Fridge zone.
1999: “ Restituzioni “, TIMET, Canti tradizionali del Valdarno nella reinterpretazione di S. Bollani, L. Brusci, M. Demuru, A. Tavolazzi,M. Cosottini, Matrix_ i dischi forma
1999: “ Isiaca “, TIMET, Matrix_ i dischi forma 2004: “ L’ amico di Cordoba “, P. Servillo, J. Girotto, L. N. Mangalavite, Il Manifesto.
2004: “Cantata dei pastori immobili”, di D. Riondino e S. Bollani, Donzelli.
2005: ”Gente in cerca di Nuvole”, di Stefano Bollani, I Suoni delle Dolomiti, Regione Trentino Alto Adige.


Sabato 23 Febbraio 2008                                                               
ore 21 - Teatro Comunale di Dozza
PERSONAE - Percorsi Teatrali
Giuseppe Cederna
LA FEBBRE
di Wallace Shawn
con: Giuseppe Cederna
immagini di: Giuseppe Cederna e Elena Caputo

È la storia di un occidentale che si scontra con la realtà del Terzo mondo e che si chiede se ha la forza e il coraggio per rinunciare ai propri privilegi. È la storia di molti di noi. Giuseppe Cederna racconta la sua avventura teatrale cominciata a bordo di un aereo che l’ha portato in Africa a visitare i territori tra Kenia, Sudan e Somalia, per imbattersi nel monologo dello scrittore americano Wallace Shawn: La Febbre. Non è un caso che l’autore di questo testo abbia recitato nei film di Woody Allen. Nato per essere raccontato dall’autore nelle case dei suoi amici colti e benestanti di New York, lo spettacolo prevedeva una circuitazione anomala, capillare e clandestina. Negli anni invece è stato rappresentato in tutto il mondo diventando un piccolo classico del nostro rapporto con l’ingiustizia e il dolore degli altri.
Il mondo della borghesia colta e raffinata di cui ci parla è lo stesso che ritroviamo nelle pellicole del regista americano ed è anche una delle espressioni più compiute e gratificanti della civiltà occidentale. È dunque uno shock quando vediamo ne La Febbre un uomo di questo ambiente steso sul pavimento di un bagno in un hotel del Terzo mondo, in mezzo agli scarafaggi e al vomito, in preda a un delirio che avanza implacabile: prima le immagini crude di gente affamata o torturata, poi i ricordi di un’infanzia dorata e poi di nuovo altre visioni di rivolte e di violenze e altre immagini dei piccoli piaceri di una vita dedicata all’amore e alla bellezza. Il protagonista ripercorre le tappe della sua esistenza, così simili alle nostre, fino ad arrivare in fondo, fino a concedersi di dire tutta la verità - solo per cinque minuti - e poi dimenticare e continuare a mentire come se nulla fosse successo. Domani “guariti” vedremo tutto con più distacco ed equilibrio, ma la notte del Sud è profonda e paurosa e il delirio apre squarci sull’altra faccia delle cose. “La Febbre” è una sorta di confessione pubblica, di orazione civile che adopera le volute ruvidità drammaturgiche e i continui scarti narrativi come testimonianza di “onesta imperfezione”. E’ un urlo che senza false pietà mostra le inadeguatezze, le ipocrisie e i complessi di colpa di quella minoranza di privilegiati- NOI- che gestisce e consuma l’ottanta per cento delle risorse della terra.
La Febbre è un particolare testo politico per un “teatro politico” che racconta un mondo intellettuale che confessa la propria vigliaccheria e dichiara urgenza di giustizia, ammette debolezze e paure, opportunismo e impotenza, ma combatte per recuperare la forza dell’impegno sociale ed etico.

“Collegato al monologo abbiamo deciso di presentare il filmato realizzato in Kenia e in Sudan da Giuseppe Cederna ed Elena Caputo. Visualizzeremo i perchè di uno spettacolo necessario e non digestivo”.

Wallace Shawn è un autore- attore newyorkese che ha lavorato per il cinema e il teatro. Protagonista di “Cechov nella 42ma strada” di Louis Malle ha scritto e interpretato “My dinner with Andrè” sempre di Louis Malle.

“Protagonista di questo testo siamo noi, è colui che ascolta con il disagio che Shawn ha vissuto e che vuol giustamente provocare in noi”.
(Goffredo Fofi)

Giuseppe Cederna è nato a Roma nel 1957, è attore anche di cinema oltre che di teatro ed è stato premio Oscar per "Mediterraneo" di Gabriele Salvatores. Tra i film ricordiamo Marrakesh Express e Mediterraneo di Gabriele Salvatores e Italia-Germania 4-3 di Andrea Barzini, Il partigiano Johnny di Guido Chiesa, El Alamein di Enzo Monteleone. Tra gli spettacoli teatrali: Amadeus di P. Shaffer con Umberto Orsini, Il giardino dei ciliegi, di Anton Cechov regia di G. Lavia, La Febbre di Wallace Shawn, Tacalabala! Il racconto del calcio regia di Giorgio Gallione, Il giro del mondo in 77 minuti, Lennon & John e Cani sotto la pioggia, spettacolo-concerto dedicato a Tom Waits e a Raymond Carver. Questo autunno è apparso nell’ultima serie televisiva di Distretto di Polizia. Da anni collabora con l’inserto di «Repubblica»- «Viaggi», «I Meridiani», «L’Espresso» e «Gente Viaggi».
E' stato in Africa viaggiando tra Kenia, Sudan e Somalia come testimone di AMREF. Un viaggio difficile, scomodo, doloroso. Un viaggio nel “dolore degli altri”.Con queste immagini “rubate” in Africa accompagna il suo spettacolo “La Febbre”.
 

Sabato 1 Marzo 2008                                                                               
ore 21 - Teatro Comunale di Dozza
PERSONAE - Percorsi Teatrali
Ginetta Maria Fino - Giuseppe Pino Mainieri – Femmere Teatro
NON MI RICORDO
di e con Ginetta Maria Fino e Giuseppe (Pino) Mainieri
Voci recitanti: Lello Lombardi, Guido Barbieri da radio3 RAI
Video: Fabio Avoni
Regia: Corrado Nuzzo e Maria Di Biase

Ripercorse le tappe fondamentali della sua vita di coppia, Ginetta non trova conferme nel suo compagno Pino che non ricorda quasi nulla del passato, smemoratezza affrontata dai due con ironica allegria.
Suggestivi interventi audio-video rafforzano il contrasto/continuità fra passato e presente, testimoniando il valore dei Documenti. Intensa la rievocazione della notte in cui accadde l’incidente che provocò la perdita di memoria.
Le lettere di Pino inviate a Ginetta durante il servizio di leva sono un prezioso documento che testimonia chi e come fosse prima del trauma che gli ha divorato la memoria. Parole di un giovane che combatteva con passione per un mondo più giusto e che amava la sua compagna. Parole che durante il coma indicano a Ginetta la via per affrontare l’ulteriore prova:
vivere non significa sognare e sperare, vivere significa capire e lottare
svelano il segreto della forza del loro rapporto.

Quello che Pino Mainieri e Ginetta Fino portano in scena non è uno spettacolo come tanti. E’ uno spettacolo unico, o forse non è neanche uno spettacolo. Come Paolini, Celestini, Enìa, Perrotta, ecc., Ginetta Fino lavora sul teatro di memoria, ma in questo caso la storia da ricostruire grazie ad un puzzle fatto di vecchi documenti, lettere scritte durante il servizio di leva, ricordi sbiaditi, tracce audio … è quella di Pino, suo marito che ha completamente dimenticato il passato dopo un drammatico incidente. Una storia intima e sofferta che i due portano in scena con naturalezza, infatti Ginetta e Pino hanno da sempre fatto teatro, a parte una breve pausa durata undici anni che ora andranno a raccontare.
C. Nuzzo M. Di Biase - aprile 2007

Basta davvero poco a Ginetta Fino e a Pino Mainieri per rievocare la loro storia d'amore e di vita: una piccola seduta a gradini, uno schermo per proiezioni, una scrivania dove accomodarsi a leggere le lettere di tanti anni prima: il primo incontro, la militanza politica, il teatro, la famiglia e poi, terribile nemesi a una felicità così semplice e immediata, l'incidente, da cui Pino uscirà danneggiato, ma non domo nella sua voglia di vita e di teatro.
La cosa straordinaria è che a raccontarci tutto questo sono proprio loro due, Ginetta e Pino: il secondo negli impacci anche autoironici della sua faticosa fonazione, la prima nella tenerezza a volte ruvida con cui suggerisce a lui lontani ricordi, e raccoglie per noi la sua lingua quasi arcana.
Quello che ne viene fuori è un mondo di affetti tenaci, che resistono oltre il dramma della menomazione, mostrata senza reticenze ma nient’affatto esibita: la leggerezza con cui tutto viene raccontato è del resto il miglior antidoto a qualunque possibilità di pietismo e rende più acuta, alla fine dei conti, l’emozione dello spettacolo.
A questo fine risulta importante, e non sembri un paradosso, il sottotesto politico che trama tutta l’intelaiatura drammaturgica: c’è nostalgia per un impegno che sembra preistoria, nostalgia per una politica fatta di rapporti umani, di valori da condividere, di rabbia e solidarietà.
E così, nel naufragio di questi valori, acquista più risalto proprio la vicenda umana di Ginetta e Pino, la loro voglia di prendere la vita di petto, senza incoscienza o arroganza, ma con la voglia di starci, in questa vita, con tutti e due i piedi.
Nicola Bonazzi,26 ottobre 2007 - Dir Art.Teatro dell'Argine ITC San Lazzaro (BO)

[…] NON MI RICORDO è uno spettacolo molto maturo, molto ben fatto.
C’è un ottimo equilibrio tra toni e sapori comici, divertenti e la tragedia che viene evocata.
C’è una grande leggerezza che ci fa ridere e che rende più commovente ciò che viene raccontato.
Non è mai patetico né retorico. Mai un calcare la mano su aspetti che potrebbero risultare lacrimevoli.
C’è un intreccio miracoloso tra attori e persone che sono su quel palco, tra il teatro e la vita vera.
C’è un connubio fondamentale tra il privato e il pubblico: è una riflessione sui tempi che corrono e sul rapporto che un uomo deve instaurare con la società che lo circonda.
C’è il miracolo della guarigione di Pino che è dovuto sì all’amore, l’amore meraviglioso, l’amore che salva, ma anche ai suoi ideali, alla sua visone dell’uomo, altrimenti non ce l’avrebbe fatta e questo è un messaggio universale, un messaggio che vale per tutti, aldilà della specifica vicenda tragica vissuta: si è morti senza il coltivare certi ideali che attengono al rapporto tra uomo e uomo, che attengono alla ricerca di un senso profondo della vita, che attengono alla passione come unico antidoto alla morte, anche senza che incidenti in moto che ce la facciano incontrare così da vicino.
Sono stato orgoglioso di ospitare questo spettacolo all’ITC Teatro
Perché Ginetta e Pino hanno creato del teatro con la T maiuscola .
Di quello vitale.
Di quello intrecciato con la vita.
Di quello necessario.
Di quello che può cambiare la vita a chi lo guarda.
Per me è stato così.
È stata un’esperienza unica averli incontrati, di quelle che non si dimenticano mai.
E spero che sia soltanto un inizio.
Ne sono certo.
Pietro Floridia, 30 ottobre 2007 Direttore Artistico Teatro dell'Argine Bologna
Alle radici di questo spettacolo
Ginetta Maria Fino - 21 settembre 2006

Nel 1996, mio marito, Giuseppe Mainieri subisce un gravissimo trauma cranio-encefalico. Per undici anni, ogni giorno, ho fatto i conti unicamente con il presente perché:
[…]…Ginetta ha capito sorprendentemente presto che Pino non sarebbe stato più quello di prima.”Il re è morto viva il re” sembrava sottintendere il suo comportamento: inutile perdersi d’animo[...]
Dott.Dir. P.Boldrini Dir.e UGC Riabil. Gravi Cerebrolesioni Osp.Treviso, da: 1998 I giorni felici che si vivono quando nascono i fiori
di Giuseppe Mainieri e Ginetta Fino (Ed. AAA in cerca degli angeli)
Ho imparato ad accettare il nuovo Pino e la perdita dell’altro. Ho riletto e trascritto le sue lettere del 1975-76 e le ho inviate all’Archivio di Pieve S. Stefano. Inaspettatamente Pino giunge fra i dieci finalisti all’omonimo Premio con “Viva la Rivoluzione”. Passato e presente si fondono. In interviste e incontri parlo delle sue lettere e lui mi è accanto, sono turbata, urge che sia lui a parlarne: il sentimento che lo legava a me, la passione e l’impegno politico di allora e sempre possono emergere solo dalle sue parole, ma non è possibile a causa dello scempio subìto.
Eppure di fronte alla platea al microfono di Liza Ginzburg, Pino fa un discorso che mi emoziona profondamente:
“Quando ho scritto queste lettere avevo circa 20 anni. Significa che la vita c’è, che le cose sono state fatte e che tutto continua. Corsi e ricorsi continuano. Una cosa scritta prima o poi ritorna. Le cose scritte nelle lettere le ho fatte e sono la documentazione che io c’ero, ero presente e che la vita continua, va avanti. Bisogna solo accettarla e le cose arrivano.”
Pino non ricorda nulla del passato, con fatica e dolore rievoco eventi e sentimenti vissuti da lui che ora non può farlo. Nella narrazione occorre che riunisca l’Uno e l’Altro contrariamente a quanto affermo da dieci anni: Pino è morto ma è vivo. E’ lui ma non è lui.
La notte del 17 settembre una nuova consapevolezza mi mostra un lui non più diviso. Il Pino di prima è nello stesso corpo di colui che mi dorme accanto. I segni della sua anima rimasta intatta emergono ogni giorno più evidenti. Non mi addormento. Non siamo quelli cui basta pensare. Dobbiamo agire il pensiero. Alle quattro del mattino mi alzo e scrivo il canovaccio di questo spettacolo. Sulla scena Pino ed io fra presente e passato nella comune passione condivisa per il Teatro interrotta nel 1996 in un’identità densa di valori mai rinnegati, segreto profondo della ripresa post ’96, riunendo in me colui che ho diviso.

Ferrara, 19 novembre 2007
Credo che la storia di vita di Pino e Ginetta e il loro spettacolo, che ne è la testimonianza, oltre a essere molto toccante dal punto di vista umano e artistico, riassuma in sé alcuni importanti concetti in cui credo da quando mi occupo di Medicina Riabilitativa (oltre trent'anni) e secondo i quali la nostra scuola di riabilitazione ha sempre cercato di operare e di diffonderne la conoscenza e la messa in pratica. […]
[…] Pino e Ginetta raccontano nel loro spettacolo che è attraverso il recupero dal passato dei valori, delle passioni, dei sogni e degli elementi che più profondamente fanno parte del loro contesto di vita, che Pino arriva piano piano a ricostruire il suo presente e a poter immaginare un futuro.
[…]Pino si occupava da anni di teatro, amava profondamente recitare e la stessa sera dell'incidente doveva recitare a Bologna; 11 anni dopo Pino riprende a recitare: lo fa in modo diverso, lo fa nel modo in cui le sue limitazioni glielo permettono, ma lo fa. E con che risultati!
[…]Pino ha raggiunto il suo obiettivo più grande ovvero il recupero di ciò che da sempre gli è appartenuto profondamente ed ha caratterizzato la sua vita: Recitare![…]
E poiché lo spettacolo di Pino e Ginetta mi ha dato profonde suggestioni ed emozioni oltre che come medico anche, e soprattutto, come uomo non posso che ringraziarli di cuore, ribadendo il mio affetto e la mia stima per loro.
Nino Basaglia - DIPARTIMENTO DI NEUROSCIENZE/RIABILITAZIONE ETTORE MEDICINA RIABILITATIVA “San Giorgio” - Ferrara
 

Sabato 8 Marzo 2008                                                                               
ore 21 - Teatro Comunale di Dozza
PERSONAE - Percorsi Teatrali
Francesca Mazza - DONNE RESISTENTI tra cinema e teatro
di e con Francesca Mazza
montaggio video a cura di: Silvia Storelli
consulenza musicale: Guido Sodo
assistenza tecnica: Nicolas Hermansen

RESISTENZA: sost. femm. - Sforzo contrario che permette di opporsi , resistere all’azione di qualcuno o qualcosa. - Proprietà fisica, governata da leggi diverse a seconda dei casi, consistente nell’opporsi, o nel contrastare determinati fenomeni od effetti. – Fase dell’azione difensiva durante la quale si tende a logorare le forze dell’attaccante in attesa di poter prendere o riprendere l’iniziativa. – Capacità di non lasciarsi rompere, annientare, spezzare, frammentare e sim. – Capacità di resistere allo sforzo fisico, intellettuale o all’abbattimento morale. – Opposizione a ogni tentativo di rivelare i contenuti dell’inconscio. – Movimento di lotta politico-militare sorto in tutti i paesi d’Europa contro i nazisti e i regimi da questi sostenuti durante la seconda guerra mondiale.

C’è un teatro che ha bisogno di resistere, tanti artisti per cui resistere è uno sforzo che è diventato pratica di ogni giorno; ma in questa “guerra di resistenza” oltre alla fatica c’è un’inesauribile carica creativa, il rinnovarsi del senso profondo di una scelta - l’arte scenica - , un irrinunciabile modo, forse l’unico, di sentirsi parte del mondo, mondo che in pace non è.
Con gli strumenti e le parole del teatro rifletto sull’atto del resistere e, in particolare, su forme e figure della resistenza femminile: che parta da esempi eroici o si tratti di quotidiana resistenza; vicina o lontana nel tempo e nello spazio; scelta, riconosciuta o inconsapevole.
L’addio di di Nora nel finale di “Casa di bambola”, l’ossessione di Charlotte Corday, il quotidiano sopravvivere di Filumena Marturano, la voce di Alda Merini, il silenzio di Irma Bandiera e ancora...
Altre storie e altri nomi. Più che una galleria antologica, un’evocazione e la testimonianza di una vocazione.
Sullo schermo, le immagini di Anna Magnani, di Bette Davis, di Katrine Hepburn…
Senza dimenticare chi non si è salvato.

Francesca Mazza - Nata a Cremona il 23 febbraio 1958. Laureata con lode in Lettere e Filosofia, corso di laurea in Discipline dell'Arte, della Musica, dello Spettacolo. Diplomata alla Scuola di Teatro di Bologna diretta da Alessandra Galante Garrone.
Nel 1982 debutta in ambito professionistico con lo spettacolo Il bugiardo di Carlo Goldoni, regia di Alvaro Piccardi, nella compagnia di Ugo Pagliai e Paola Gassman. Dal 1983 inizia a lavorare negli spettacoli di Leo de Berardinis dapprima presso la Cooperativa Nuova Scena di Bologna poi all'interno del Teatro di Leo di cui è anche fondatrice. Nel corso di questi anni partecipa a dodici spettacoli, dalla tetralogia Shakespeariana - Amleto, King Lear studi e variazioni, Tempesta, Macbeth - a Novecento e Mille, escursione sulla storia e la cultura del nostro secolo; dalla favola pirandelliana de I giganti della montagna alla rivisitazione del mondo della commedia dell'Arte de Il ritorno di Scaramouche.
Contemporaneamente partecipa ad altre produzioni teatrali tra cui due spettacoli prodotti rispettivamente dal Festival di Santarcangelo (1988) e dalle Orestiadi di Gibellina (1989) con il regista cinematografico cileno Raul Ruiz. Lo spettacolo Scenté (1992) tratto da "L'anima buona del Sezuan" di Bertold Brecht, prodotto dal Teatro di Leo con la doppia regia di Leo de Berardinis e di Alfonso Santagata,è stato il primo assolo d’attrice che ha affrontato. Nell'aprile '95 nell'ambito della rassegna "Il linguaggio della dea" curata da Ravenna Teatro ha realizzato una performance teatrale dal titolo Autoritratto, presentata, in seguito, in rassegne e festival teatrali. Nel febbraio '97 ha diretto e interpretato ' Nu pate teneva sette figlie femmene, fiaba in musica tratta dalla Tradizione napoletana, in collaborazione con il musicista Guido Sodo, spettacolo tutt'ora in repertorio.
Sempre nel '97 è stata protagonista dello spettacolo Miranda, visioni dall'isola di pietra, opera conclusiva del progetto "Le radici del Pilastro" ideato e diretto da Paolo Billi e ha preso parte allo spettacolo di teatro-danza Duetti Guerriglieri diretto dalla coreografa e regista July Ann Anzilotti.
Nella stagione '98/'99 ha partecipato alla produzione e alla tournée del Giulio Cesare di William Shakespeare per la regia di Ninni Bruschetta realizzato dall'Ente Autonomo Regionale Teatro di Messina / Nutrimenti Terrestri.
Nell'aprile '99 ha debuttato Scolpita dal tempo spettacolo itinerante di cui è interprete e regista, con la drammaturgia di Alessandra Rossi Ghiglione.
Sempre nel ‘99 è stata impegnata ne La Strana festa, spettacolo di teatro-danza per la regia e coreografia di July-Ann Anzilotti che ha debuttato nell'ambito del festival Eurochianti il 3 settembre '99. Del 2000 è la partecipazione allo spettacolo Madame De Sade di Y. Mishima con la compagnia Teatri di Vita diretta da Andrea Adriatico (Napoli, Teatro nuovo 8 febbraio 2000) e a Figlie d’Ismaele. Nel vento e nella tempesta di Assia Djebar, per la regia di Gigi Dall’Aglio, prodotto dal Teatro di Roma (Roma, Teatro India, 18 settembre 2000).
Nell’estate del 2000 è stata nel cast di “Best of both worlds” della AKA Pictures/Zenith Enterteinment.
Nell’aprile 2001 ha debuttato con “ 6 “ la nuova produzione di Teatri di Vita, con la regia di Andrea Adriatico.
Nell’aprile 2002 ha debuttato con l’assolo Una città perfetta ispirato a Venezia Salvata di Simone Weil ed è stata aiuto regia di Jacques Lassalle per l’allestimento dell’ Ifigenia in Tauride di W. Goethe prodotto dal teatro Stabile del Veneto (Vicenza, Teatro olimpico 3 ottobre 2002).
Nel 2003 ha partecipato allo spettacolo Donne. Guerra. Commedia. di T. Brash per la regia di Andrea Adriatico, allo spettacolo Pirandello Suite di Julie Ann Anzilotti e Memè Perlini ed è stata protagonista femminile del film Il vento, di sera ancora per la regia di Andrea Adriatico, presentato all’interno della sezione Forum al Festival di Berlino 2004.
Nell’autunno 2003 con la Compagnia teatrale “Fanny e Alexander” ha portato in tournée europea (Francia, Belgio e Germania) lo spettacolo Ardis I, Les enfants maudit. Con la stessa compagnia ha debuttto al Kunsten Festival di Bruxelles l’ 11 maggio 2004 con lo spettacolo Ardis II, scrabble for six players e al Festival delle Colline di Torino il 14 giugno 2005 con lo spettacolo Aquamarina.
Il 13 luglio 2005 ha debuttato nello spettacolo I Costruttori d'Imperi di B. Vian per la regia di Davide Iodice, con la Compagna di Alessandro Benvenuti, all'interno del Festival Armunia Costa degli Etruschi.
Nel febbraio 2007 ha debuttato a Skopje con la nuova produzione della Compagnia Fanny & Alexander Dorothy. Sconcerto per Oz. .
E’ attualmente impegnata con la Compagnia Teatri di Vita con lo spettacolo Il ritorno al deserto di Bernard Marie Koltès di cui è protagonista femminile.
Per l'interpretazione di Ofelia-Violetera in Totò, Principe di Danimarca è stata segnalata da Gianni Manzella come migliore attrice per la stagione teatrale '90/'91 sull'annuario del Teatro italiano Patalogo; sempre sul Patalogo è stata segnalata come migliore attrice della stagione teatrale '94/'95 da Giorgio Sebastiano Brizio, Renata Molinari e Franco Quadri per l'interpretazione di Donna Evira ne Il Ritorno di Scaramouche e nella stagione '97/'98 da Titti Danese per l’interpretazione di Tina Modotti nello spettacolo Duetti Guerriglieri.
In riconoscimento dell’attività artistica svolta al fianco di Leo De Berardinis ha ricevuto insieme ai colleghi della Compagnia “Teatro di Leo” il premio DAMS nel maggio 2004 e il Premio Viviani conferito nel 2006 dal Festival di Benevento
Ha vinto il Premio UBU come migliore attrice non protagonista per la stagione 2004/2005 per l'interpreazione di AquaMarina.
Nel febbraio 1996 ha seguito un corso di regia condotto dal regista argentino Fernando Solanas presso la Cineteca Comunale di Bologna.
Dal dicembre del '98 collabora saltuariamente come insegnante di recitazione presso la Scuola di teatro "Alessandra Galante Garrone" di Bologna.In collaborazione con enti locali e associazioni culturali guida il progetto dedicato al teatro/memoria “Terre di Racconti”, realizzato in diverse tappe in Abruzzo, Piemonte, Emilia Romagna, Toscana e Lombardia (anni 2000, 2001, 2002, 2003, 2004 , 2005) e 2006).
Dal 2003 è direttrice artistica della stagione teatrale Sguardi della Sala Teatro “Biagi D’Antona” del Comune di Castel Maggiore (BO).
E’ direttrice artistica della sezione spettacoli del Festival dell’Architettura promosso dall’Assessorato alla Mobilità e Pianificazione del territorio della Provincia di Bologna: Bologna si muove (2006) La civiltà dei super luoghi (2007). Dal I992 affianca al lavoro d'attrice l'attività laboratoriale.
Oltre a laboratori teatrali rivolti a realtà professionali quali, ad esempio, quelli organizzati dalla Compagnia “La casa degli Alfieri” di Asti, dall’Università di Chieti dalla compagnia “Tilt” di Imola, sceglie di indirizzare il lavoro di formazione soprattutto all’interno di esperienze di genere. Nel ’96, inizia la sua collaborazione con l’Assessorato alle Pari Opportunità della Provincia di Bologna e con l’Assessorato alle Pari Opportunità del Comune di Imola: tale attività - rivolta in partenza alle donne dei corsi Retravailler , poi alle dipendenti delle Amministrazioni locali e alle Amministratrici Pubbliche delle provincie dell'Emilia Romagna per i progetti ministeriali denominati "Azione Positiva" e "Amministra" - l’ha portata ad approfondire la relazione con l’universo femminile sui temi della comunicazione e dell’autostima. A questo scopo, insieme ad altre colleghe, ha fondato l’Associazione Culturale “Tra un atto e l’altro” che ha realizzato, all’interno delle manifestazioni di Bologna 2000 Città della Cultura Europea, un progetto di alfabetizzazione teatrale dedicato a donne del territorio e che si è concluso a maggio 2000 con la presentazione di DeaOdissea, tre spettacoli ispirati alle figure femminili dell’Odissea.
Collabora con vari enti di Formazione quali FIA di Bologna per il progetto C.I.P.R.I.A indirizzato a donne disoccupate, TECHNE di Cesena per il progetto PEGASO all'interno della sezione femminile del carcere di Forlì e SOGES di Torino.
 

Sabato 29 Marzo 2008                                                                       
ore 21 - Teatro Comunale di Dozza
PERSONAE - Percorsi Teatrali
Compagnia StultiferaNavis
VISIONI CONTEMPORANEE DELLA MARIONETTA
Regia, scenografia, video: Alessandra Amicarelli
Drammaturgia: Julie Linquette
Design marionette: Francesca Casolani
Produzione: Compagnia StultiferaNavis
Con il sostegno di: Regione Abruzzo, Provincia dell’Aquila, Fondazione CARISPAQ
Con la partecipazione di: Institut International de la Marionnette (Charleville-Mézières, Francia), Museo Internazionale delle Marionette “Antonio Pasqualino” (Palermo)

Visioni contemporanee della marionetta è uno spettacolo-laboratorio che invita gli spettatori ad immergersi in una ricerca attiva sul senso contemporaneo dell’animazione di oggetti-marionette. Un percorso attraverso 10 moduli interattivi che presenta la marionetta – e la diversità delle sue espressioni possibili – come un medium artistico capace di affrontare la complessità contemporanea delle relazioni uomo-oggetto-mondo e dei molteplici punti di vista possibili sullo spazio e sul tempo. Ad un pubblico interessato al fare teatro e allo spettacolo dal vivo (interessato nel senso etimologico di inter-essere, essere in mezzo, essere dentro), lo spettacolo-laboratorio propone delle interazioni con gli oggetti-marionette, una partecipazione alla trasformazione scenica dello spazio, un’impegno nei processi di animazione, al fine di portare uno sguardo diverso su quest’arte, che cerca, con uno spostamento del punto di vista, a comporre tra l'ampiezza dell'innovazione possibile e la ricchezza del patrimonio della sua tradizione antica. Visioni propone a chi la vuole vedere una marionetta che abita lo spazio precario dell’immaginazione. Che sparpaglia sulla sua strada briciole di tempo discontinuo. Che non smette di comporsi e di scomporsi in piccoli frammenti di noi stessi. Che viaggia libera nelle forme, nella materia, nei suoni, nei colori, nelle ombre e nella luce, intrecciando e rafforzando, in ognuno dei movimenti della sua presenza quasi-viva, tutta la diversità e la pertinenza dei linguaggi artistici contemporanei. Lo spettacolo-laboratorio si presenta sotto la forma di un percorso attraverso 10 installazioni che interrogano le diverse identità della marionetta contemporanea e delle metafore che essa rende possibili : il sipario fotografico, l’anima, la visione, il movimento, l’al di là, identità, la presenza, l’infanzia, lo spazio costruzione, lo spazio documentazione.
L'installazione è pensata come uno spazio nel quale gli ingranaggi della rappresentazione teatrale sono lasciati a vista: i meccanismi, gli artifici, il dietro le quinte, la tecnica e la tecnologia sono assunti pienamente. Uno spazio che non si maschera come uno spazio teatrale tradizionale e nel quale la separazione tra attori e pubblico non sussiste più in quanto dicotomia. E' uno spazio- atelier che rende visibile il processo di creazione, del fare e del cercare, del comporre e del mettere in scena e non solo il prodotto finale ,“lo spettacolo”.

L’idea primaria nasce da un confronto con il pubblico, che, sia assistendo ai nostri spettacoli, sia partecipando ai nostri laboratori, ci ha testimoniato la sua « fame di marionetta », al di là degli stereotipi che corrono sulla marionetta, in Italia. Fame di sapere come si progetta una scenografia per accogliere questi artefatti in miniatura e per poter intrecciare diversi linguaggi artistici. Fame di conoscere le tecniche di costruzione e di manipolazione degli oggetti-marionette. Fame di scoprire la diversità delle metafore che rende possibile l’uso in scena di un’effige, di un’ avatar. Abbiamo quindi immaginato una forma di spettacolo che permette l’interazione con il pubblico e che, senza profanare il fare teatro, apre agli spettatori degli spazi da esplorare al di là della sola dimensione audio-visiva. Rendere possibile un percorso dentro la scenografia e gli spazi di azione, far accedere alla tattilità della materia, riconnettere l’essere dello spettatore all’anima delle marionette… Questo processo a metà strada tra l’installazione, la performance, lo spettacolo e il laboratorio ci è apparso come la forma piu’ adatta a tradurre questo desiderio nostro di restituire al pubblico la ricchezza espressiva della marionetta, nel suo fare ed essere in continua relazione tra l'animatore e il testimone/i di tale relazione. La marionetta può oggi riflettere i nostri interessi, le nostre paure, i nostri miti?
In che modo essa fa eco alle nostre temporalità? Come cristalizza e sublima i nostri dubbi ? E come può indicarci piste per sorpassare i limiti di ciò che chiamiamo il contemporaneo, quest’al di là della post-modernità che ci trattiene ancorati nella precarietà di un presente vuoto di futuro, un presente caratterizzato dall’instantaneo, dall’effimero, dal transitorio?
Come percepire la fragilità della sua anima in un mondo che associa l’usare al gettare?
Quali visioni evoca, là dove l’occhio, abituato allo schermo, immagina solo ciò che vede?
Qual’è il senso dei suoi movimenti quando l’ubiquità virtuale sostituisce la presenza corporea?
Cosa ci dicono gli oggetti al di là della loro utilità?
In che modo si determina l'identità precaria della marionetta quando gli archetipi non bastano più a definirci?
Quali legami mantiene con l’infanzia quando essa viene trascurata e dimenticata?
La forza della marionetta non risiederebbe appunto in ciò che possiede di più delicato? Nel suo giocare con le nostre corde più sensibili e più minacciate: il nostro affetto per gli oggetti e la natura, le nostre capacità di immaginazione e astrazione, la nostra finitudine corporea, i nostri riflessi rituali e il nostro essere sociale prima che individualista, questi piccoli dettagli che compongono infine la nostra condizione umana.
Nello spettacolo-laboratorio “Visioni contemporanee della marionetta” , frammenti di risposte possibili sono abbozzati lungo dieci moduli: idee sono sparpagliate in Aiku-Box, o scatole a citazioni; brani di pensieri sulle temporalità contemporanee sono collezionati, parola per parola, gesto per gesto, in modo tale da permettere ad ognuno di farsi una visione – sua – della marionetta oggi.

La Compagnia Teatro di Animazione StultiferaNavis è stata fondata nel 2002 da Alessandra Amicarelli (scenografa diplomata presso l'Accademia di Belle Arti di Brera e marionettista diplomata presso l'Ecole Nationale des Arts de la Marionnette di Charleville-Mézières - ESNAM).
e Julie Linquette (laureata in Lingua e Letteratura Tedesca, ha conseguito un Master in Ingegneria Culturale e un Master in Scienze della Comunicazione presso l'università di Lille in Francia).
Ha statuto associativo e si occupa di teatro di figura con un’attenzione particolare ai linguaggi contemporanei e alle forme sceniche sperimentali.
Gli spettacoli della Compagnia Stultiferanavis (Il Battello Blu, 2002; Mirabilia, 2005; Le Sensate Esperienze, 2006) sono stati rappresentati in Italia, Francia, Lussemburgo, Svizzera, invitati a festival quali: Festival Mondiale dei Teatri di Marionetta di Charleville, Festival Marionnettissimo di Tolosa, Festival Ouni Grenzen in Lussemburgo, Festival Incontri Teatrali di Lugano, Festival Internazionale delle Ombre di Staggia Senese, Festival Nuove Espressioni Teatrali di Casalmaggiore, Festival Figure di Roma. Realizza regolarmente laboratori di iniziazione al teatro contemporaneo di figura in Italia e all’estero. La Compagnia è stata invitata a Firenze per inaugurare il progetto Pianeta Galileo 2006-2009 in partenariato con la Regione Toscana con lo spettacolo Le Sensate Esperienze, che ha ricevuto il Premio Ribalte di Fantasia 2006.
Collaboratori passati e presenti della Compagnia StultiferaNavis:
Baptiste Couget, Marie Denazelle, Federica Testa, Moira Zapella, Alessandro Palmeri, Stefano Saverioni, Francesa Casolani, Mariano Dolci, Francesco Cuna .
 

Sabato 5 Aprile 2008                                                                           
ore 21 - Teatro Comunale di Dozza
PERSONAE - Percorsi Teatrali
Teatro Valdoca
MISTERIOSO CONCERTO
Con: Mariangela Gualtieri e Dario Giovannini
Direzione: Cesare Ronconi
Versi: Mariangela Gualtieri
Musiche dal vivo: Dario Giovannini
Fonica: Luca Fusconi. Ricerca video e proiezioni: Simona Diacci
Ricerca del suono: Luca Fusconi, Dario Giovannini, Cesare Ronconi
Scena e luci: Cesare Ronconi. Abiti: Malloni
Macchinisti: Stefano Cortesi, Federico Lepri
Segreteria: Concetta Mercuri
Consulenza amministrativa: Cronopios.
Organizzazione: Valentina Baruzzi, Morena Cecchetti e Roberta Magnani
Coprodotto da: Teatro Valdoca, Assalti al Cuore Festival di Musica e Letteratura, l’arboreto mondaino, Teatro “A. Bonci” di Cesena.
Con il contributo di: Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Regione Emilia Romagna e Provincia di Forlì-Cesena.

Vorrei entrare nella musica dei miei versi e tenere le parole nel loro stato di nascita. Impresa che pare semplice ed è invece immensa. Vorrei entrare negli abissi della mia voce, nei miei otto anni, nei secoli della mia voce, entrare in quell’antico respiro, nell’antica fiamma che ha tenuto vivi altri. E non per virtuosismo (la mia voce è davvero piccola), quanto piuttosto per caduta, per visitazione, per sprofondamento. Siamo nel reame della sottigliezza, certo, lì dove si sa che uno spostamento di millimetri cambia l’orbita di una cometa.
Abbiamo sostato a lungo sull’ascolto, sul sodalizio fra parola e musica, fra parola e silenzio, in un’attenzione plenaria a ciò che portava Clemente Rebora a scrivere:
“e non sapendo ero certo/ del misterioso concerto”. Abbiamo attraversato una miriade
di suoni e poi lasciato quasi tutto. Quasi tutto.
Ancora devozione per la parola. Con la certezza che sia così necessario pronunciare, rifondare la lingua, far vibrare particelle sensibili in quel misterioso contagio che è la commozione: non per visione esibita di un pezzo guerreggiato di mondo, ma per un pugno di parole, comuni parole che dicono di noi, vivi adesso, in questo presente, in questo comune destino.
Tutto per ‘fare cuore’ con chi ascolta, farsi suo talismano. (Mariangela Gualtieri)

Il Teatro Valdoca è nato nel 1983 a Cesena, in Romagna, ad opera di Cesare Ronconi regista, e di Mariangela Gualtieri drammaturga. Coi primi due spettacoli Lo spazio della quiete (1983) e Le radici dell'amore (1984) la Valdoca è presente fin da principio sulla scena europea: sono lavori senza parole, con una cifra stilistica e poetica molto netta. Con Ruvido umano (1986) comincia una ricerca drammaturgica a ridosso della parola poetica, ricerca che avrà piena e matura espressione nella trilogia Antenata (1991/93). In questi anni la Compagnia dà vita ad una Scuola di Poesia che coinvolge i maggiori poeti italiani, fra cui Luzi, Fortini, Bigongiari, Conte, De Angelis, Loi, Maiorino, Cucchi, etc. Il lavoro pedagogico si apre poi all'incontro con numerosi giovani allievi attori, attraverso una vera e propria Scuola Nomade, che sfocia in due grandi spettacoli Ossicine (1994) e Fuoco Centrale (1995). In questi, musica dal vivo, canto e danza, entrano a dar forza e complessità alla parola poetica, che permane come caratteristica del lavoro della Compagnia. Nel 1997 Nei leoni e nei lupi riunisce sulla scena attori storici della Valdoca ed allievi della Scuola Nomade, secondo una scrittura drammaturgica che li impegna in una grande prova d'attore. Parsifal Piccolo (1998) e infine Parsifal (1999), prodotto insieme al festival di Santarcangelo, segnano la prima impegnativa prova di riscrittura di un testo della tradizione. Chioma (2000) dà vita ad una figura femminile potente, che ha l’intensità dei personaggi del mito e la spaccatura dell’attuale sfacelo. Del 2001 Predica ai pesci, operetta magica e popolare per due acrobate, una cantante ed un’attrice. Il 2002 è dedicato alla Scuola d’attore, e a NON-splendore rock, concerto di rock e poesia.
Nel gennaio 2003 i versi per la scena di Mariangela Gualtieri sono editi da Giulio Einaudi. Dalla Scuola d’attore nasce l’opera corale Imparare è anche bruciare (2003). Esce, nella collana diretta da Valentina Valentini per Rubbettino Editore, la monografia Teatro Valdoca, a cura di Emanuela Dallagiovanna, dedicata alla poetica della Compagnia. Dal 2004 inizia il percorso di creazione di PAESAGGIO CON FRATELLO ROTTO, un’opera in tre parti, compiuta nel 2005: una trilogia di affreschi contemporanei, rappresentata anche come unico, grande evento teatrale in tre atti, con dieci interpreti coinvolti e musica dal vivo. Continua il lavoro pedagogico, con la direzione di una seconda Scuola, Ero bellissimo avevo le ali.
Dopo l'esperienza fatta nei due Corsi Europei di Alta Formazione Mariangela Gualtieri e Cesare Ronconi decidono di dar vita al progetto Officina Valdoca, progetto che sostiene la produzione di opere di giovani artisti promuovendoli e distribuendoli, e che in questi mesi sta prendendo la sua forma definitiva. Nel 2006 il Teatro Valdoca debutta con Misterioso concerto, in cui i versi di Mariangela Gualtieri si intrecciano alla musica dal vivo di Dario Giovannini e, nella versione a trio, alle azioni performatiche di Muna Mussie. Sempre nello stesso anno escono in libreria Senza polvere, senza peso, raccolta di versi di Mariangela Gualtieri edita da Giulio Einaudi e Sermone ai cuccioli della mia specie (l’arboreto edizioni).
Il 2007 vede Cesare Ronconi impegnato in diversi progetti speciali far i quali: Lato selvatico: tane + rifugi + nidi (prodotto da Itinerario Festival e Aidoru Associazione, progetto installativo realizzato in collaborazione con la Facoltà di Architettura "Aldo Rossi" di Cesena) e Tre visioni leggere (progetto presentato ad Arte Sella ad agosto 2007 con testo inedito di Mariangela Gualtieri e la partecipazione di tre attori della Trilogia: Silvia Calderoni, Gaetano Liberti e Muna Mussie). Mentre Mariangela Gualtieri è impegnata nell'ideazione del progetto PORTAR BENE, UN POETA NELLE CASE che ha debuttato ad Esterni Festival a fine settembre 2007. A fine novembre 2007 è uscito in libreria il cofanetto contenente LIBRO e FILM di PAESAGGIO CON FRATELLO ROTTO trilogia edito da Luca Sossella editore. Per il 2008 è in previsione l'uscita di un volume di Mariangela Gualtuieri in collaborazione con Guido Guidi che sarà edito dalle edizioni Quodlibet in collaborazione con Itinerario Festival e il debutto ad aprile della nuova opera di Cesare Ronconi, Sacrificale: suono + vuoto + eco.
 

Sabato 12 aprile 2008                                                                                
ore 18 - Enoteca Regionale Emilia-Romagna - ENODOZZAJAZZ2008
LULLO MOSSO "MOTOTRABASSO"
Lullo Mosso - contrabbasso

Lullo Mosso è un pilota di mototrabasso. Il mototrabasso è uno strumento-veicolo che permette di viaggiare spostandosi tra una canzone ed un'altra il tutto il mondo della musica e in tutte le musiche del mondo.Chi lo possiede ha la possibilità di spostarsi ovunque raccontando e cantando i personaggi e i suoni di un viaggio immaginario. Il nostro pilota, quasi "condannato" al movimento, vaga così nell'universo della musica raccontando storie e personaggi sotto forma di canzoni: il canto del cammelliere berbero, la composizione dodecafonica tedesca, il blues del missisippi, la sanfona amazzonica, la chanson esistenzialista francese, il rap, l'opera di Pechino, il bebop, la buleria spagnola, la danza rituale africana ..... dando vita ad una galleria di personaggi che cantando in gramelot ci raccontano la loro musica. Attraverso danze canti e spericolate evoluzioni melodico cinetiche Lullo Mosso si fa trasportare dal mototrabbasso monoruotato nelle sue imprevedibili derive nelle musiche del mondo.

Lullo Mosso nasce e cresce nelle valli alpine piemontesi, dal 1986 al 1992 vive a Siena dove studia contrabbasso presso i seminari di Siena jazz. Dal 1992 vive a Bologna dove intraprende una intensa attività concertistica professionale nei più disparati ambiti musicali: jazz, musica improvvisata e di ricerca, musica etnica e popolare, musica da ballo, per teatro, dance, leggera, da crociera, animato per lo più da un'eclettica curiosità verso le tante e differenti espressioni del fare musica. Ha suonato e suona con i gruppi Vakki Plakkula, Cuboterzo, Jorge, gli Impossibili, Specchio Ensemble, Fraili, Clangreco, Amarcord, Shellvibes, e con vari progetti nell'ambito del collettivo di musicisti Bassesfere di cui è uno dei fondatori. In dieci anni di attività ha collaborato occasionalmente con importanti musicisti (Massimo Urbani, Antonello Salis, Lester Bowie, Don Moye; Tim Berne, Butch Morris, Han Bennink, Tristan Honsinger) suonando in festival e rassegne in tutta Europa. Dal 1995 inizia a lavorare come musicista di scena e compositore in diversi spettacoli teatrali (“La ballata dei matti” - 1995, “La signora sporca” - 1996, “Patchwork” - 1996/98, “Esercizi di stile” - 1996/99, “In diretta” - 1998, “Picnic” - 2000, “Galleria S.Francesco” - 2002, “Le ore piccole” prod. Crexida con Angelica Zanardi - 2006). In questo ambito e con il gruppo Vakki Plakkula sviluppa il ruolo di attore-musicista lavorando sulla presenza scenica, sul movimento del corpo, sulla voce e sulla comicità approdando alla performance in solo ”Il Mototrabbasso”.
Svolge un’intensa attività didattica nell’ambito dell’infanzia e del disagio psichico

Discografia:
L' inferno dei polli JORGE (Guglielmo Pagnozzi as cl, Fabrizio Puglisi p, Lauro Rossi tb, Riccardo Pittau tr, Luigi Mosso b, Francesco Cusa dr, Freak Antoni voc.) (Splash cd h 463.2 1995);
Sufi STEFANO ORDINI (Stefano Ordini p, Stefano Cantini ss, Luigi Mosso b, Giuliano Matozzi dr) (Samjazz SO943 1995);
Urgente MAGMA TRIO (Sandro Gandola as,ss, Luigi Mosso b, Mirko Sabatini dr) (YVP 3045 1995)
Suite n.1 per quintetto doppio SPECCHIO ENSEMBLE (Domenico Caliri dir comp, Fabrizio Puglisi e Stefano De Bonis p, Guglielmo Pagnozzi e Edoardo Marraffa sax cl, Francesco Cusa dr, Luigi Mosso Lelio Giannetto Giovanni Mayer b, Alberto Capelli Riccardo Onori gt.) (CAICAI 005 1995)
Una barca VAKKI PLAKKULA (Luigi Mosso b voc, Edoardo Marraffa as ts, Mirko Sabatini dr voc.) (IDA 012 1998);
Musical fitness CLANGRECO (Massimo Greco tr sampling, Stefano De Bonis Keyb, Luigi Mosso b) (Irma 491204-2 1998,
Raptus CLANGRECO (Videoradio vr cd 000388)
Postura (Alessandro Bosetti sax L.Mosso, Peter Kowald, Astrid Wiens double bass)(Fringes009 2000)
Shellvibes SHELLVIBES (Antonio Coatti tne e conchiglie, Massimo Semprini sax conchiglie, Romeo Selvatici conchiglie, Ricardo Pittau tp e conchiglie, Vincenzo Vasi vib, L.Mosso bass) (Harpo 2005)
Porcyville SPECCHIO ENSEMBLE, (IDA17)
WuWuWei ROY PACI CORLEONE (Roy Paci tr, Carlo Actis Dato sax e cl, Giorgio Giovannini tb, Sebastiano Bellarte h, Vincenzo vasi bs th, voc, Mirko Sabatini dr L.Mosso b, voc) (Etnagigante 013 2005)
Live at Italian jazz rebels 2003 (Fabio Sfregola tr, Giorgio Pacorig p, Stefano Giust dr, L.Mosso b)(Setola di Maiale sm870 2006)
Collaborazioni e Compilation:
Bassesfere Catalogo JORGE,SPECCHIO ENSEMBLE, GLI IMPOSSIBILI (Ba 001 1995)
Angelica 1997 (compilation) SPECCHIO ENSEMBLE and improvised set with Mike Cooper gt, Lol Coxhill ss, Chris Cutler dr, Edoardo Marraffa ts, Luigi Mosso b, Larry Ochs s, John Raskin as, Pat Thomas dr (AI 007 1998)
Live in Montreux Compilation CLANGRECO (Irma 491804/2 1998
Nita l’angelo sul trapezio PAOLO ANGELI
Intrasatta AS SUR D
Fate AS SUR D
QY Lunch VINCENZO VASI (Etnagigante )
O ritmo misturado BANDA FAVELA (Irma rec)

 

Sabato 12 aprile 2008                                                                        
ore 21,30 - Teatro Comunale di Dozza - DOZZAJ2008                       
FABRIZIO PUGLISI/ERNST GLERUM/HAN BENNINK TRIO                   
Fabrizio Puglisi - pianoforte
Ernst Glerum - contrabbasso
Han Bennink - batteria

Il pianista catanese Fabrizio Puglisi è una delle più belle realtà del jazz italiano: preparatissimo, forte di una esperienza formativa di rilievo (ha suonato fra gli altri con David Murray, John Zorn, Dave Liebman, Lester Bowie, George Russell, Butch Morris, Kenny Wheeler, Steve Lacy, Louis Sclavis, Sal Nistico e Steve Grossman), è attivo, oltre che con questo trio “olandese”, con diverse altre formazioni: Atman, Deus Ex Machina, Strani Itineranti e il Collettivo Bassesfere. Qualche anno fa Puglisi cominciò a frequentare la scena musicale di Amsterdam, fra le più ricche ed interessanti in Europa, esibendosi con Han Bennink, Sean Bergin, Ab Baars, Tristan Honsinger, Ernst Glerum e Tobias Delius, e da qui nacque l’idea di formare questo trio che mescola - calibrandole con sapienza - improvvisazione e scrittura nelle interpretazioni di brani di Thelonious Monk e brani originali con il gusto della boutade e dell’imprevisto.
Ernst Glerum e Han Bennink sono fra i musicisti che più hanno contribuito a dare una precipua identità alla scena dell’improvvisazione europea, quando questa ha cominciato (alla fine degli anni Sessanta) a distaccarsi dal modello statunitense. Il contrabbassista suona tra gli altri con l’Amsterdam String Trio e con il Guus Janssen Trio; lo straordinario batterista è un nome storico dell'avanguardia europea, un musicista (ed affermato pittore) che ha profondamente influenzato la musica jazz ed improvvisata negli ultimi 40 anni. Batterista dotato di un talento scenico inconfondibile e di un linguaggio tecnico espressivo unico al mondo; è senza dubbio uno dei numi tutelari della scuola olandese, nonché del jazz europeo d'avanguardia.
Uno spirito libero che ha fatto grande musica assieme a Ben Webster, Eric Dolphy, Sonny Rollins, Don Cherry, Wes Montgomery e altre leggende del Jazz come Sonny Rollins, Cecil Taylor, Dexter Gordon, Eric Dolphy,
e allo stesso tempo é stato uno dei fondatori della Free music in Europa; con il pianista Misha Mengelberg e il sassofonista Willem Breuker ha fondato il grandioso collettivo di musicisti free jazz “Instant Composers Pool”.
Entrambi fanno parte della ICP Orchestra di Misha Mengelberg ed insieme hanno condiviso collaborazioni con moltissimi artisti, tra cui Steve Lacy, Lee Konitz, Uri Caine, Jamaladeen Tacuma, John Zorn, Bud Shank, Don Byron.
 

Sabato 19 aprile 2008                                                                            
ore 18 - Enoteca Regionale Emilia-Romagna - ENODOZZAJAZZ2008
EMANUELE PARRINI SOLO
"VIAGGIO AL CENTRO DEL VIOLINO"
Concerto per violino solo, personale percorso tra improvvisazione, brani originali e rivisitazione di standards dai repertori dei grandi violinisti jazz.
Emanuele Parrini - violino

Formazione:
Studi di musica classica, Siena Jazz, Workshops con: G.Basso, B.Watson, T.Scott, D.Liebman, S.Lacy, F.Di Castri
Ha suonato e registrato con:
T. Scott, C. Brown, W. Parker, E. Reijseger, Sadiq Bey, P. Catherine, L. Bacalov, E. Rava, T. Ghiglioni, A. Salis, G. Trovesi, G. Schiaffini, T. Tononi, R. Gatto, M. Giammarco, E. Fazio, D. Cavallanti, P. Minafra, R. Ottaviano, U.T. Gandhi, C. Actis Dato, G. Maier, P. Botti, G. Falzone, C. Fasoli, G. Coscia, M. Rusca, G. Rosciglione, G. Munari, M. Rosa, C. Santucci, F. Bosso, G. Petrella, D. Scannapieco, J. Arnold, G. Cazzola, P. Condorelli, M. Manzi, N. Gori, S. Onorati, P. Leveratto, B. Tommaso, R. Bellatalla, F. Monico, M. Beggio, K. Gregory, T. Mangialajo Rantzer, A. Zambrini, F. Faraò, G. Capiozzo, A. Canelli, G. Renzi, G. Esposito, N. Morelli, S. Guiducci, B. Ferra, S. Senni, A. Succi, F. Beccalossi, D. Rosciglione, L. Tucci, G. Ceccarelli, A. Ariano, L. Biondini, G. Libano, M. Vaggi, A. Onorato, G. Di Leone, M. Geri, A. Di Puccio, D. G. Espinoza, M. Rabbia, D. Torto, M. Mariottini, L. Terzano, A. Tacchini, R. Bianchi, B. Caruso, T. Tracanna, R. Fassi, R. Cecchetto, Z. De Rossi, A. Melani, Dinamitri Jazz Folklore, Nexus, Les Italiens, Hot Club de Florence, J. Ouassini, A. Infantino.
Fa parte dell’ ITALIAN INSTABILE ORCHESTRA dal Febb. 2003 ( concerti in tutto il mondo con ospiti Ab Baars, Ig Hanneman, Cecil Taylor, Frank Gratkowsky, Keith Tippet, Anthony Braxton) Ha fatto parte della BUTCH MORRIS ORCHESTRA (guests J.A. Deane e M. Ribot per il Festival di Roccella Jonica 2003).
Emanuele Parrini ha partecipato ad alcune trasmissioni di Radio Rai con Dinamitri Jazz Folklore, Django’s Jungle di Simone Guiducci, Italian Instabile Orchestra, Artistic Alternative Ensemble di D.G. Espinoza, Trenoritmico di B. Scardino, J. Martini Quartet.
Prende parte al film di C. Mazzacurati “L’Amore Ritrovato” contribuendo con il gruppo di Riccardo Tesi alla realizzazione della colonna sonora. Lavora in progetti teatrali come “Fool Lear” con Dinamitri Jazz Folklore in collaborazione con il Teatro Politeama di Cascine; e come “Edgar Allan Poe Project” con l’attore A. Catania, produzione originale del Festival di Roccella Jonica 2004. Ha tenuto Master Class di violino jazz al Conservatorio Dall’Abaco di Verona nel 2004 e 2005. Segnalato tra i talenti emergenti dalla rivista “Musica Jazz” nel suo annuale Referendum Top Jazz: nel 2000, 2001, 2002, 2003, 2004, nella Top Ten nel 2005, 2006 e 2007; tra gli artisti dell'anno e nella categoria "miscellanea" nel 2007 con Dinamitri Jazz Folklore nel 2002, 2006 e 2007, nella Top Ten nel 2003; con T. Tononi & the Ornettians Top Ten nel 2005 e 2007; CON L'ITALIAN INSTABILE ORCHESTRA VINCE COME "FORMAZIONE DELL'ANNO" IL TOP JAZZ 2007. Premio Speciale della Giuria Lago Maggiore Jazz 2000 seconda rassegna giovani jazzisti italiani

 

Sabato 19 aprile 2008                                                                           
ore 21,30 - Teatro Comunale di Dozza - DOZZAJ2008
DINAMITRI JAZZ FOLKLORE featuring SADIQ BEY
“CONGO EVIDENCE”
Dimitri Grechi Espinoza - alto sax
Emanuele Parrini - violino
Gabrio Baldacci - chitarre
Pee Wee Durante - hammond tastiere
Beppe Scardino - sax baritono
Andrea Melani - batteria
Simone Padovani - percussioni
Sadiq Bey - voce

L’obiettivo di Dinamitri Jazz Folklore è quello di esplorare il linguaggio jazzistico - e, in senso lato, afroamericano - dall’interno. Il che presuppone il tentativo di indagare le connessioni tra i vari idiomi percorrendo un cammino a ritroso: da un’espressione moderna segnata dall’impronta di Ornette Coleman ed Eric Dolphy al modale; dalla complessità ritmico-armonica del be bop alle polifonie di New Orleans; dal retaggio del blues urbano e rurale all’Africa. L’approccio con l’Africa, e soprattutto con la concezione rituale e terapeutica della musica vigente in quelle culture, ha rivelato l’esistenza di veicoli efficaci per avviare un processo di analisi ed approfondimento della funzione di un musicista di jazz oggi, processo avente come obiettivo primario la consapevolezza. Così come, nel rituale, il musicista africano conduce la propria comunità a compiere un’esperienza che lui per primo deve affrontare, allo stesso modo l’improvvisatore dovrebbe radunare tutte le proprie energie per esplorare l’ignoto, per trarne "Axè" l'energia vitale. Un’altra priorità è quella di acquistare (o conquistare, a seconda dei punti di vista) un suono ed un linguaggio propri, traguardo che la stessa trasmissione jazzistica incita a raggiungere: un suono personale è un veicolo emozionale, senza il quale è come parlare con la voce e le parole degli altri. Anche nella ricerca dei legami tra l’improvvisazione jazzistica e forme derivanti da altre culture musicali la consapevolezza del musicista dovrebbe fondarsi sulla coscienza dei propri limiti culturali, sul rispetto per le altre tradizioni e soprattutto sullo sforzo di cogliere gli elementi che accomunano i vari linguaggi presi in esame. Sono questi i presupposti che alimentano la ricerca del Dinamitri Jazz Folklore.
Congo Evidence è la seconda tappa di questo percorso musicale.

"....e poi ecco i vulcanici Dinamitri Jazz Folklore: freschi, inventivi, capaci di maneggiare con pari disinvoltura (e pari amore), all'interno di uno stesso brano o persino di uno stesso assolo, temi spigolosi, arie russe ( come le origini di Dimitri Grechi Espinoza ), bop (fino alla parafrasi di Charlie Parker), funky, folk, free cosmico, blues (Eric Blues, dedicato a Dolphy ma anche memore di Mingus), ballad,rhythm'n'blues, free funk e persino una Michelle sovrapposta ad altre scale e altri ritmi ( fino adiventare finalmente ricca e densa). E' un concerto da togliere il fiato, dove feeling non è, finalmente, una parola vuota. Tutti si spendono al massimo: la front line è la medesima, strepitosa, del cd "Vita Nova", con il leader al sax contralto, Mirco Mariottini ai clarinetti ed Emanuele Parrini al violino; all'organo c'è Pee Wee Durante, singolare bluesman tra Jimmy Smith e Sun RA, e alla batteria Andrea Melani...." (Alessandro Achilli, da Musica Jazz gennaio 2002 - recensione dell'Ah-Um Jazz Festival -Milano, Nov 2001)
“Per chi non abbia mai ascoltato questo gruppo il termine ‘folklore’ può essere fuorviante, può far pensare a una rilettura in chiave jazzistica del repertorio popolare nostrano (…) E se è vero che c’è un riferimento costante ad alcune tradizioni specifiche (in particolare quella del blues, del gospel, del klezmer e naturalmente del jazz), riferimento che a volte si concretizza in vere e proprie citazioni, è vero anche che tutto viene assorbito, rielaborato e riproposto in una formula dove il nocciolo della questione sembra più il ‘come’ che non il ‘cosa’….” (Antonia Tessitore, Allaboutjazz)
“… La fonte di ispirazione del leader è l’Africa, il risultato è una musica ludica, ipnotica, mistica, circolare, che insegue qualcosa di irraggiungibile, ma che non è mai uguale a se stessa…” (Paolo Carradori, Jazzit)
“…Come lascia intendere la sardonica intestazione del gruppo, l’ energia si sposa con una riflessione sulla musica popolare, ma soprattutto sul senso che può assumere oggi il richiamo a un folklore disarticolato dalla globalizzazione…Una band anomala, capace di evocare il soul come il camerismo, le danze dell’ Est come il jazz. In vista però del superamento di ogni genere per descrivere, con spirito dissacrante, la civiltà di oggi.” (Claudio Sessa Il Corriere della Sera)
“ (…) Dinamitri Jazz Folklore ha confermato il proprio spessore. Il sassofonista D. G. Espinoza ne sta orientando il percorso a ritroso: da O. Coleman e Dolphy al modale; da tensioni ritmico-armoniche bop alle polifonie di New Orleans; dal blues all’ Africa. Al contralto, con logica spietata e furore dionisiaco, si confronta con i visionari clarinetti di M. Mariottini e le impennate graffianti di E. Parrini, sull’ ampio alveo ritmico-armonico di cui l’ organista Pee Wee Durante rappresenta l’ essenza del blues e il batterista A. Melani la componente swing. Al tenore e al clarinetto , l’ ospite Tony Scott illustra con pillole di saggezza la continuità con la tradizione.(…)” (E. Boddi, Musica Jazz)
“ (…) Altro notevole appuntamento (Musicus Concentus) è quello con il gruppo Dinamitri Jazz Folklore che, dopo il pregevole Folklore in Black, cresce così tanto da renderlo in qualche modo superato. L’ approccio della formazione è infatti ancor più spregiudicato rispetto agli stessi materiali, mentre la presenza di un maestro come Tony Scott non solo rende più emozionante la serata, ma salda idealmente con forza la sua esperienza di grande indagatore delle musiche del mondo con i giovani discepoli. (…)” ( P. Carradori, Jazzit )

TOP JAZZ 2002 di Musica Jazz 14 voti nella categoria Formazione dell’ annoTOP JAZZ 2003 di Musica Jazz nella Top ten nella categoria Formazione dell’ anno

Noi abbiamo la consapevolezza che la tradizione jazzistica, come tutti i fenomeni ciclici umani, stia degenerando inesorabilmente in una semplice forma di superstizione (termine che nella sua etimologia designa una cosa che sopravvive a se stessa, anche quando ha ormai perduto la sua vera ragione d’essere). Perciò suoniamo per chi è interessato al contenuto spirituale che ancora oggi il jazz, essendo un “linguaggio”, è in grado di veicolare, e non per chi si interessa all’intrattenimento musicale sotto le spoglie del jazz. Suoniamo il suono/ritmo “Africano” che è un’arte fatta di sensibilità (e comprensione) ai (dei) principi che regolano la creazione del nostro Mondo. Suoniamo, infine, con la consapevolezza che il culto dell’individualità è una menzogna, e chiunque alimenti questa illusione, contribuisce alla decadenza sua personale e a quella della comunità alla quale appartiene."

Recensione da "Alias" de "Il Manifesto" - Sab 28 Luglio 2007
"Il collettivo guidato dal sassofonista alto Dimitri Grechi Espinoza si avvale della collaborazione del poeta americano Sadiq Bey, già insieme a Don Byron e Uri Caine. Nella tradizione di Amiri Baraka, Bey interpreta le sue poesie scolpendo e/o dipingendo le parole eppure trattandole come materia sonora, da jazzista tra jazzisti. Niente di meglio per il Dinamitri Jazz Folklore che attenua appena i suoi solismi per collettivizzare una proposta sonora carica di passione, memoria storica (l'esplosivo "Boogie Stop Shuffle" di Mingus), interpretazione critica del presente. Nel pezzo che dà il titolo all'album si rileggono Ellington e Monk mentre si parla dell'11 settembre; sulle musiche di Espinoza, Bey parla della New Orleans post-Katrina e nasce un drammatico "Concentrazione" (si ascolti l'assolo di violino di Emanuele Parrini). Cd militante, dai nervi scoperti e dal cuore in tachicardia eppure lucido e critico ("Dim Laden" su cui Sadiq Bey recita "Morning 28"), CONGO EVIDENCE è un vero manifesto per una ganerazione di jazzisti critici che non crede nel revival ma ama le radici black: Espinoza, Parrini, Mariottini, PeeWee Durante Andrea Melani e altri." (Luigi Onori)

Dimitri Grechi Espinoza, nato a Mosca. Ha partecipato ai corsi di perfezionamento di Siena jazz. E' stato invitato nel 2001 al festival Panafricano di Congo-Brazzaville fondando nel 2002 l'Associazione Culturale Axe per svolgere attività di ricerca nella Musica Terapeutica delle culture tradizionali.Fa parte attualmente del quartetto di Paolo Botti

Emanuele Parrini, nato a Orbetello (Gr), ha frequentato seminari tenuti da: Gianni Basso, Bobby Watson, Tony Scott, Steve Lacy ed ha partecipato ai corsi di perfezionamento di Siena Jazz. Ha suonato e/o registrato fra gli altri con: Tony Scott quartet e Octet, Tiziana Ghiglioni, Tiziano Tononi, Butch Morris Orchestra with Marc Ribot. Italian Instabile Orchestra.

Gabrio Baldacci, nato a Livorno, studia jazz al conservatorio di Bologna è leader del Gruppo Formica con il quale vince il Concorso di Cento e di Moncalieri Jazz, collabora attualmente con G. Petrella.

PeeWee Durante, nato a Pisa inizia la sua attività professionale nella Band Nick Becattini & Serious Fun suonando nei più importanti festival di Blues. Frequenta i seminari di Umbria Jazz e We love Jazz di Genova con Shirley Scott. E' attualmente leader del Gruppo Organic GrOOve.

Andrea Melani, nato a Prato studia percussioni a Fiesole. Frequenta i corsi di perfezionamento di Siena Jazz con Roberto Gatto e Ettore Fioravanti; ha fatto parte del gruppo di M.Giammarco e collaborato con altri importanti musicisti Italiani.

Beppe Scardino, nato a Livorno studia jazz al conservatorio di Bologna, dirige il gruppo Orange Room e ha suonato con la Fantomatik orchestra; attualmente fa parte dell’associazione Gallo Rojo e collabora con G.Petrella

Simone Padovani, nato a Livorno, ha frequentato seminari di percussioni con A.Diaz e O. El Negro, suonato con la Fantomatik orchestra. Attualmente collabora con B.Rondelli, Carnegra e G.Petrella.

Sadiq Bey, poeta, performer, percussionista e compositore. Si è mosso per anni su un terreno di espressione artistica senza confini, che include l’arte performativa d’avanguardia, il jazz, il pop e l’opera. Nato e cresciuto a Detroit, ha lavorato a lungo a New York prima di trasferirsi a Berlino nel 2004, dove porta avanti diversi progetti di fusione tra musica elettronica, spoken word e canzone. Le collaborazioni discografiche in veste di performer e scrittore dei testi includono quelle al fianco di Don Byron (Nu Blaxploitation, Music For Six Musicians, Tuskegee Experiments); di Uri Caine (Sidewalks of New York, Bach: Goldberg Variations, Dark Flame/Gustav Mahler); di Brandon Ross (Costume, Live at the Knitting Factory Vol 2). E’ di prossima pubblicazione The Othello Syndrome (musica di Uri Caine, libretto di Sadiq Bey), una riscrittura postmoderna dell’opera shakesperiana rappresentata (con l’interpretazione tra gli altri dello stesso Bey) in prima mondiale alla Biennale Musica di Venezia nel 2003. Tra i progetti musicali in corso Sadiq Bey ha un trio, “sadiqbeythemusesboyfriend”, con Brandon Ross e Stomu Takeishi; una solo performance, “Schwartzegeist” (elettronica e voce) e un gruppo dance berlinese, “Your Houze Is My Hotel”, con Charles Matushewsky. In campo letterario Sadiq Bey ha pubblicato Slow The Eye (2004), un’edizione limitata dal design sofisticato in collaborazione con gli artisti Detlef Gunter and Martin Knüsel. Con la pittrice Michele Zalopany è in corso d’opera disIntegration: The 3 B's, un racconto tramite parole e immagini della complessa vicenda politica e sociale che ha travolto Detroit nei primi anni 70. E una raccolta di poesie, A Thousand Days A Year, sarà pubblicata a breve.
 

Sabato 26 aprile 2008                                                                                
ore 18 - Enoteca Regionale Emilia-Romagna - ENODOZZAJAZZ2008
PAOLO SORGE SOLO
Paolo Sorge - chitarra

Il punto di partenza è una sorta di partitura algoritmica composta (o sottoposta a un'ultima revisione) poche ore prima della performance. Costituita da eventi modulari, in essa è possibile ammettere dei momenti perfino tonali o modali, le suggestioni del momento, la citazione esplicita di temi. Il coraggio di improvvisare senza rinunciare a niente. La fiducia nell'intensità del setting daconcerto quale luogo ideale di condivisione con l'ascoltatore dello stesso evento spazio-temporale. Con il sorriso sulle labbra, per favore!

Paolo Sorge è un chitarrista, compositore ed improvvisatore catanese già da tempo noto al pubblico del jazz contemporaneo nazionale ed europeo. Da circa vent´anni conduce una ricerca trasversale nell´ambito delle musiche d´improvvisazione, coltivando contemporaneamente l´interesse per i linguaggi del Jazz, le musiche popolari, l´improvvisazione radicale, la sonorizzazione di film muti, il paesaggio sonoro e la soundscape composition, il metodo della conduction applicato alla didattica della musica, nonché la composizione per varie tipologie di organico, dal quartetto di saxofoni all´orchestra jazz. Dagli esordi in Sicilia, passando per una parentesi romana lunga dodici anni, fino al recente ritorno nella propria terra d´origine, Paolo Sorge ha suonato e registrato con moltissimi musicisti di varia estrazione, tra cui ricordiamo Alfio Antico, Paolo Fresu, Paolino Dalla Porta, Roberto Spadoni (M.J. Urkestra), Mike Abene, Maurizio Giammarco, Gianluigi Trovesi, Sandro Satta, Stefano Maltese, Gianni Gebbia, Michel Godard, Francesco Cusa (Trinkle Trio, Skrunch e altri progetti), Fabrizio Puglisi, Stefano Zorzanello, Lelio Giannetto (Curva Minore, 2003-2006), Francesco Branciamore, Claudio Lugo, Guido Mazzon, Butch Morris (Bologna, Angelica Festival 2006), Ab Baars e Ig Henneman. Diplomato in Composizione (Conservatorio di Perugia, 1998) e Jazz (Conservatorio di Latina, 2001), ha all'attivo due prestigiosi premi di composizione per orchestra jazz (Barga Jazz 1993, Sassari - Scrivere in Jazz 2004). Negli ultimi dieci anni affianca all´attività concertistica e discografica un´intensa attività didattico-divulgativa nell´ambito del jazz e dell´improvvisazione, collaborando con importanti istituzioni pubbliche e private (Conservatorio S. Cecilia - Roma, Università della Musica s.r.l. - Roma, Conservatorio S. Giacomantonio - Cosenza, Conservatorio "N. Piccinni" - Bari, Politecnico "Scientia et Ars" - Vibo Valentia, Teatro Masciari - Catanzaro, CESM - Catania). Attualmente è docente di Jazz presso il conservatorio "F. Cilea" di Reggio Calabria. Nel 2003 ha inaugurato la propria discografia personale con il cd Paolo Sorge TRINKLE TRIO (pubblicato da AUAND), una rilettura in chiave improvvisativa della musica di Thelonious Monk, insieme al tubista Michel Godard e al batterista Francesco Cusa. Dalla data della sua pubblicazione ad oggi il disco ha collezionato un considerevole numero di recensioni e interviste in Italia e all´estero attirando l´attenzione e i consensi della critica specializzata (una rassegna stampa essenziale e samples mp3 sono disponibili sul sito web dell´etichetta discografica AUAND. Negli ultimi tre anni la formazione si è esibita nel corso di alcuni tour in Italia, Slovenia e Germania avvalendosi della collaborazione del trombonista Tony Cattano, ormai membro stabile dell´organico. Con l'aggiunta del contrabbassista olandese Marko Bonarius il trio diventa il quartetto Paolo Sorge & the Jazz Waiters, protagonisti del cd Slow Food (2007 Improvvisatore Involontario - 005), che negli ultimi mesi ha avuto un riscontro positivo da parte della critica specializzata. Dal suo ritorno a Catania, Paolo Sorge è uno dei musicisti e didatti più attivi e impegnati in Sicilia nella diffusione delle musiche d´improvvisazione. È tra i fondatori del movimento artistico ed etichetta discografica Improvvisatore Involontario (www.improvvisatoreinvolontario.com.), e di SSRG (Sicilian Soundscape Research Group) ONLUS (www.ssrg.it).

Discografia:
- Ghost Saxophone Quartet, CD del Primo Concorso Jazz Umbria Giovani
- 1995, IFM (come compositore);
- M.J.Ùrkestra, MINGUS - 1998, Splasc(h) Records (cd H653.2) - distrib. IRD;
- Alfio Antico Quartetto, ANIMA `NGIGNUSA - 2000, ONYX etnica (CD ONYX 008) - distrib. IRD;
- M.J.Ùrkestra, ÙRKESTRA - 2001, Splasc(H) Records (cd H739.2) - distrib. IRD;
- Paolo Sorge, TRINKLE TRIO - 2003, Auand (AU9003) - distrib. IRD;
- Francesco Cusa Skrunch, PSICOPATOLOGIA DEL SERIAL KILLER -Improvvisatore Involontario (001) - distrib. Wide;
- M.J.Ùrkestra, DANCES - 2004, Splasc(H) Records (cd H931.2) - distrib. IRD;
- Stefano Maltese Ghost Company, `DJA `BA `LA - 2006, Labirinti Sonori (LS 002) - distrib. IRD;
- Paolo Sorge & the Jazz Waiters, SLOW FOOD - 2007 ImprovvisatoreInvolontario (001) - distrib. Wide;
- Francesco Cusa Skrunch, L´ARTE DELLA GUERRA – 2007 Improvvisatore Involontario (001) - distrib. Wide

 

Sabato 26 aprile 2008                                                                                
ore 21,30 - Teatro Comunale di Dozza - DOZZAJ2008                               
GASPARE DE VITO SOLO
“5 SONGS AND 1 STORY”
Gaspare De Vito - sax, flauto, loopstation e FRANCESCO CUSA “SKRUNCH”

Specifici segni sonori scelgono di seguire i suggerimenti del tempo, hic et nunc, che dalla pancia del fiato si trasforma in disegno sul foglio. Il qui e ora dell'improvvisazione fa parte del gioco di transizione dalla nota al suono, ma non è al suo compimento che si esaurisce. E' lo scontro tra essa, l'improvvisazione, e gli elementi tematici del quadro che fa girare sistematici, penetranti, parlanti, nella loopstation. E' insieme che performano il sentire di questo progetto.

Gaspare De Vito, nato a Napoli nel 1978. Ha collaborato con vari musicisti tra cui Giancarlo Schiaffini, Zeduardo Martins, Francesco Cusa, Paolo Sorge, Alma Jazz Orchestra, Arthur Miles, Roberto Bartoli, Mirko Sabatini, Luisa Cottifogli, Vonn Washington, Maisha Grant, April Randall, Roberto Rossi, Fernando Tchika, Steve De Swath ed altri. Ha suonato in vari festival jazz conosciuti a livello internazionale come per esempio il Jazzy Jam Festival, Cassero Jazz Festival, Angelica Festival, Festival Brasiliano, Avantgarde Jazz. Ha suonato in diverse band in Italia, Germania, Regno Unito, Spagna, Francia, Finlandia, Svezia, Estonia.
Collabora con differenti compagnie teatrali, componendo ed eseguendo musica in rappresentazioni e performance con Luna Crescente, Muna Mussie, Katy Marchand del Living Theatre. Fa parte del collettivo Improvvisatore Involontario.

Discografia:
1990 - AA.VV. - Romagna Posse
1992 - AA.VV. - Romagna Posse II
2000 - Gaspare De Vito Trio - Armageddon
2004 - Martins/De Vito duo - Jurema
2005 - AA.VV. - Italian Street Blooze Caravan
2007 - Gaspare De Vito Solo - 5 songs and 1 story
2007 - AA.VV. - Antivatican coalition against the hippies resistance

FRANCESCO CUSA “SKRUNCH”
Francesco Cusa - batteria, composizioni
Paolo Sorge - chitarra
Carlo Natoli - chitarra baritono
Tony Cattano - trombone
Piero Bittolo Bon - sax alto e clarinetto basso
Dario De Filippo - percussioni

Tra le realtà più interessanti della nuova scena musicale italiana, la band “Skrunch” del pirotecnico batterista siciliano Francesco Cusa è stata definita "un misto energetico di frullati zorniani e timberniani macerato al sole di Sicilia", abrasiva e divertente, ironica e coinvolgente. Questo concerto si inserisce nel tour di presentazione del loro secondo cd, "L'arte della guerra", in uscita per l'etichetta Improvvisatore Involontario. La formazione di Skrunch per il concerto veneziano si avvale dell'ormai consolidata presenza di Paolo Sorge (chitarra) e Carlo Natoli (chitarra baritono), col brillante apporto dei sassofoni di Piero Bittolo Bon, delle percussioni di Dario De Filippo e, per l'occasione, del trombone di Tony Cattano.

Questo concerto si inserisce nel tour di presentazione del secondo cd di Skrunch , "L'arte della guerra", registrato nello scorso mese di marzo presso lo storico studio Mu-Rec di Milano e pubblicato su etichetta Improvvisatore Involontario. A tre anni da "Psicopatologia del serial killer", narrazione in musica della giornata-tipo di un assassino di professione, con queste nuove composizioni Francesco Cusa si prefigge si infondere energia e determinazione nell'ascoltatore, prendendo le mosse dai principi contenuti ne "L'arte della guerra" di Sun Tzu ed elaborando una propria "strategia del divenire" buona per il neonato millennio. Si passa dall'ipocrisia del mondo occidentale nella propria allegra rappresentazione di un continente ripetutamente violentato ("Afrodionisiaco") alla fuga dalle tentazioni di un immaginario universo femminile ("Escape from Pussyland"), dal salutare incubo di una star ("Quel giorno in cui J.J.Cale si svegliò senza una gamba") all'inaspettata attenzione degli sceicchi arabi nei confronti del jazz ("Alljazzera"), fino alla citazione di Heinrich Boll e del suo rispettabile pagliaccio ("Opinioni di un clown"). La formazione si avvale dell'ormai consolidato apporto delle chitarre di Sorge e Natoli, con l'aggiunta del giovane baritonista livornese Beppe Scardino, del sassofonista veneziano Piero Bittolo Bon e del valente percussionista Dario De Filippo, siciliano di stanza a Parigi. Hanno scritto di questa band: "Un misto energetico di frullati zorniani e timberniani macerato al sole di Sicilia con tanto di mafia. Arance e limoni verdi spremuti sulle ginocchia sbucciate di imberbi fanciulle imprudenti "Skrunch è un progetto che nasce alla fine del millennio per iniziativa di Francesco Cusa, il quale, dopo anni, finalmente riesce a "trovare" gli elementi mancanti per la realizzazione di un progetto musicale molto articolato. Tra le band più abrasive e divertenti del jazz italiano, per una ricerca sonora travolgente e carica di ironia.

Francesco Cusa, batterista e compositore, nato a Catania nel 1966. Ha suonato tra gli altri con Paolo Fresu, Tino Tracanna, Attilio Zanchi, Marco Micheli, Bruno Tommaso, Larry Smith, Walter Schmocker, Lauro Rossi, Gianni Gebbia, Fabrizio Puglisi, Stefano De Bonis, Guglielmo Pagnozzi, Domenico Caliri, Luigi Mosso, Edoardo Marraffa, Cristina Zavalloni, Lelio Giannetto, Alberto Capelli, Riccardo Pittau, Mirko Sabatini, Jay Rodriguez, Butch Morris, Jon Rose, Michel Godard, Kenny Wheeler, Garbis Dedeian, Steve Lacy, Tim Berne, Stefano D’Anna, Pietro Ciancaglini, Paolino Dalla Porta, Roy Paci, Elliot Sharp, Saadet Türköz, Flying Luttembachers, Andy Sheppard, Michael Riessler, Yves Robert, Giorgio Conte, Fred Giuliani, Zu, Mohammed El Bawi, E. Glerum, Assif Tsahar, Natalia M.King, Lionel Rolland , Dj.Pushy, Christophe Monniot, Tanja Feichtmair, Manu Codjia, Emil Spany, Arrington De Dionyso, Gianluca Petrella, Claudio Lugo, Marco Cappelli, Jean Marc Montera, Ab Baars, Ig Henneman, Danilo Gallo, Beppe Scardino, Francesco Bigoni, Stefano Senni, Piero Bittolo Bon, i Robotobibok, le danzatrici Cinzia Scordia e Florence La Porte, l'artista visivo Fred Gautnier, il collettivo di scrittori Wu Ming. Co-fondatore del collettivo bolognese Bassesfere è attualmente impegnato con l’Associazione musicale “Ex B.” e con il progetto "Improvvisatore Involontario". Ha suonato in festival internazionali in Francia, Romania, Croazia, Slovenia,Bosnia/Erzegovina, Olanda, Germania, Svizzera, Austria, Ungheria, Norvegia, Spagna, Belgio. Attivo nell’ambito dell’interdisciplinareità artistica, ha realizzato numerosi lavori di creazione e sonorizzazione di musiche per film, teatrali, letterari, di danza e arti visive, collaborando con noti ballerini, poeti e visual performers. E' leader del F. CUSA “Skrunch”, del quintetto/trio IMPASSE, del collettivo "THE NAKED MUSICIAN", e del progetto di sonorizzazione dei film di Buster Keaton e muti d'inizio secolo denominato SOLOMOVIE . E' co-leader dei progetti THE BODY HAMMER, SWITTERS, ALTOMARIA, I NEGRI VOLANTI, e del duo di batterie COMPLEXE MACHINE. Inoltre collabora con i seguenti gruppi: CRISTINA ZAVALLONI “Open Quartet”, TRINKLE TRIO (feat. Michel Godard). (www.francescocusa.it).
 

Sabato 3 maggio 2008                                                                                              
ore 21 - Teatro Comunale di Dozza                                                   
PERSONAE - Percorsi Teatrali                                                               
Compagnia Teatrale della Luna Crescente & Street Legal
TALKIN’ TARANTOLA BLUES
con: Laura Bittoni, Silvia Cavina, Lisa Cenosi, Stefano Farolfi, Corrado Gambi, Marina Mazzolani, Marco Silvestri
e con la partecipazione di: Alfonso Cuccurullo
musiche: Andrea Tampieri - chitarra; Corrado Gambi - voce
e la partecipazione degli Street Legal: Giorgio Malucelli - chitarra e voce; Gianluca Morozzi - chitarra;
Francesco Checco Palmisano - chitarra e fisarmonica; Alberto Sebastiani - basso

La scrittura di Dylan è influenzata dalla poesia e dalle tematiche di Allen Ginsberg e da Jack Kerouac.
“Tarantola”: uno strano romanzo scritto nel 1966 e uscito nel 1971 che in Italia non ebbe molto successo. Dylan qui sembra voler conciliare la scrittura spontanea di Kerouac con la tecnica del cut-up suggerita da Burroughs. Dylan ripropone nei codici del rock la carica di energia che i Beat avevano amato nel jazz e trasferito nella loro scrittura. Ma il rock ha una capacità comunicativa più forte e Dylan riesce dunque ad avere un impatto molto più ampio. Dylan rappresenta una fusione simbolica fra due culture, quella della Beat Generation e quella del Rock.
Uno straordinario collage di lettere in versi, apologhi, giochi di parole, fughe nell’allucinazione e nel sogno, in cui affiorano parabole di polemica sociale, piccoli capolavori di umorismo, d’immaginazione e di saggezza zen; un “manoscritto incubo”, per usare un’espressione dello stesso autore, dove i periodi si trascinano, si contorcono e smaniano come tarantolati. Quando scrive “Tarantola”, Bob Dylan ha ventitre anni ed è ancora “un giovane cantautore, un timido ragazzo giunto rapidamente alla celebrità che a volte scriveva poesie e che esercitava uno stranissimo effetto su moltissimi giovani di quella generazione”. Di “Tarantola” si può dire ciò che Joan Baez ha detto delle canzoni di Dylan: “La bellezza delle canzoni di Bob sta in ciò che egli sottintende senza dire. Ogni cosa ben fatta ha questa qualità.”
Gran parte di quanto scrisse allora in “Tarantola”, allora così di difficile comprensione, seguendo quella consuetudine per cui poeti e scrittori “ci dicono come sentiamo, dicendoci come loro sentono”, trovando il modo di esprimere l’inesprimibile, a volte dicendoci la verità a volte mentendoci “perché i nostri cuori non abbiano a spezzarsi”, non sembra oggi poi così difficile da capire.
A rendere la complessità delle varie atmosfere evocate dai testi, tramite la lettura teatralizzata di alcune parti, sono le voci, in funzione di “solisti” e di “coro”, in un divertente gioco di cut-out (taglia-cuci), anch’esso omaggio alla “folle” scrittura di Dylan, accompagnate dalla sua musica e dalle sue canzoni eseguite dal vivo dal chitarrista Andrea Tampieri, da Corrado Gambi e dal gruppo di dylaniati Street Legal.
La Compagnia Teatrale della Luna Crescente ha sede ad Imola ed è stata fondata nel 1984. Dal 1991 denomina il sodalizio tra Marina Mazzolani e Corrado Gambi, per i quali fare teatro è una condizione esistenziale e che hanno fatto del loro teatro un intreccio di percorsi sperimentali e di progetti, spesso condivisi con altre persone, artisti, collaboratori. Questa visione del teatro e dell’arte in genere non slegata da una “assunzione di responsabilità” in termini sociali, porta la Compagnia alla continua elaborazione di proposte artistiche e culturali, rivolte spesso a persone ed ambiti dove l’espressione è ostacolata o mortificata, o alla promozione dei linguaggi teatrali e della pratica teatrale, nella ferma convinzione della necessità del teatro. I percorsi principali di ricerca della Compagnia si ritrovano attualmente dell’ambito del Teatro delle Diversità (dal 1986, con laboratori e spettacoli con lungodegenti psichiatrici e con persone in situazione di handicap - esperienze che hanno caratterizzato la Compagnia in ambito internazionale per i contenuti e le metodologie), nell’ambito del Teatro di Lettura (dal 1986 - distinguendosi in ambito nazionale e internazionale) e nell’ambito della direzione artistica e gestione del Teatro Comunale di Dozza (dal 2001, in collaborazione con il Comune di Dozza, la Provincia di Bologna, la Regione Emilia-Romagna).
Il Laboratorio Teatro Comunale di Dozza, è un laboratorio teatrale tenuto dalla Compagnia Teatrale della Luna Crescente, luogo di incontro, di ricerca sull’espressione, sulla comunicazione e di formazione di persone interessate al teatro, sede di elaborazione di approfondimenti specifici su tecniche e metodologie utilizzate nel teatro contemporaneo.
Ogni anno il laboratorio è finalizzato alla costruzione di un evento/spettacolo, ospitato all’interno della programmazione del Teatro Comunale di Dozza [produzioni: “Caminando caminando” (2003); “Orienti” (2004); “Terra” (2005); “Working life” (2006); “Il coraggio dei salmoni” (2007)].

Corrado Gambi e Andrea Tampieri collaborano assieme dal 1994, approfondendo l’intesa che stabilirono fin dall’inizio e confermando, in diverse occasioni, una comune sensibilità. (“I cancelli del cielo”, “Borderline”, “Pappagalli verdi”, “Blue Valentine”, alcuni spettacoli finali di laboratori tenuti nelle scuole, “Ho trovato il chitarrista molto ubriaco ma estremamente solido”).
Bob Dylan e Bruce Springsteen sono stati il principale terreno di studio e, assieme, occasione di sperimentare gli arrangiamenti originali di Andrea Tampieri, seguendo le possibilità della voce di Corrado Gambi. Il piacere di ritrovarsi a provare, di nuovo, è, oggi, tenacemente ricercato nonostante gli “ostacoli” delle loro scelte di vita nettamente differenti. Ma il tenace inseguimento di Dylan e di Springsteen, attuato (scientificamente ... “c’è del metodo, in questa follia”...) da Corrado Gambi negli anni e lungo varie strade d’Europa, reca come frutto sempre nuove ispirazioni, che non possono non portare a cercare, ovviamente, Andrea... prima o poi.

Alfonso Cuccurullo ha esordito presso il ”Circolo Pavese” nel dramma “Il cercatore d’oro” di Satprem per la regia di Davide Montemurri. In seguito con lo stesso Montemurri ha approfondito il metodo di recitazione “Orazio Costa”. Nel 1995 partecipa al concorso teatrale “Targa Malvezzi”; segue un intensa attività teatrale con